Schubert / Godowsky " Gute Nacht "　 動画：(YouTubeへ)

Schubert / Liszt " Der Müller und der Bach "　 動画：(YouTubeへ)

久しぶりの連載です・・・すみません！（夏バテ）

この夏一週間、初めて佐渡でピアノ合宿を行いました。私にとっても学ぶ事が多く貴重な体験でした。今回の連載はこの合宿のことを書きたいと思います。

佐渡を初めて訪れたのは5年前でした。新潟からフェリーでかもめたちと戯れながら2時間と少し。海を渡って初めて降り立った佐渡は少し霧がかった雨が降っていて、青や赤紫のアジサイの色があざやかで、神秘的な美しさに包まれていました。一旦雨が上がると、空の青と田んぼの緑が眩しくて、小さなお寺や神社が自然と一体化して人を見つめているようにも感じられて、どこか自分にとってはスピリチュアルなイメージでした。ゆったりとした時間の流れ・・暖かく人間味溢れる佐渡の人たち・・おいしいお米やお魚。初めてなのになぜか自分にとって懐かしくて、そこで響く音がいつものピアノと違って新鮮な音色に聴こえ、音楽ができるってなんて幸せ！と喜びを感じた時、自分だけでなく生徒たちにも体験させたい！いつか合宿ができれば・・！と夢を持つようになりました。

ところが、帰ってから佐渡の素晴らしさを説明するのですが、島流しの歴史や金山、拉致問題など少し暗いイメージが強い上、「佐渡ヶ島」＝原住民が洞穴に住んでいるんじゃないですか？などと言う人も居て、実現まで5年もの月日が流れてしまいました。

時間はかかりましたが、第一回佐渡合宿では参加者と供に素晴らしい体験をすることができました。

スケジュールを作成する段階で、この合宿をレッスンと発表会だけではなく、もっと中身の濃いものにしたい！と地元の方々にも協力してもらい、結局ほとんど毎日コンサートの予定を組みこみました。参加の生徒達にとってこれは大きなハードルです。一曲ではなく、30分程のまとまったプログラムを、時には違う内容のものを、しかも毎日お客さんの前で弾かなければならないのですから！

音大を卒業したばかり、コンクール歴なども優秀な生徒も参加していました。でも驚いた事にコンサートの経験はほとんど無いと言うではありませんか。ヨーロッパでは演奏会が多いです。大ホールでいわゆる一流アーティストによるコンサートから、地元の音楽家が教会やサロンで開く定期コンサート、プロもアマも音楽愛好家達も入り混じって日曜にそれぞれの家に集まって人を呼んで演奏を披露し合う小さな規模の音楽会まで、音楽が生活の中に根付いていると感じます。みんな音楽が豊かさを与えてくれることを知っているので、そんな時間を大切にしているのです。「ちょっとおいしい物を食べに行こうか」というのと同じ感覚で「ちょっとコンサートでも聴きに行こうか」となります。一方、日本では学校やレッスンでピアノを勉強して、素晴らしい演奏技術や知識を身につけても、音楽＝一部の人たちだけの趣味で、クラシック音楽を一般に愉しむ習慣が無いので、それを披露したり人に伝えられる場が少ないです。演奏で自分の出し切ったものを（もちろん落ち込む事もあるけれど）喜んでもらって、それが実感できた時に「よし、またがんばろう」と前進できるのに、自分の演奏を聴いてもらうチャンスがなかなかありません。

そんな理由から、この合宿では参加者にたくさん弾いてもらう、というのが大きな目標でした。佐渡は時間の流れがゆったりしていて、「能」の影響なのか文化に好意的で、都会に住んでいる人よりも音楽の愉しみ方を知っているように感じます。ある意味そんな場所で弾くことはプレッシャーのようにも思えますが、聴き手がリラックスしていると弾き手にもそれが伝わり、すっと心を楽に音を通じてのコミュニケーションが可能になります。演奏することにおいて、音を通じてお客さんと一体化するのは貴重な経験です。音楽をやっていて最も幸せを感じられる瞬間をぜひ味わってもらいたいと思っていました。

学校で「上手い人たち」に囲まれつつ、試験やコンクールの思わしくない結果に少し疲れてしまった生徒が合宿に参加していました。音楽が何の為にあるのか、自分が音楽を続けて行く意味を見出せなくなってしまったのです。このままでいいのだろうかという漠然とした不安と、やっぱり希望にすがりたい気持ちの間を行ったり来たりのまま合宿に参加したと思われます。

人と優劣を競ったり、比べたり、評価ばかりを気にする様になると、音楽はとたんに性格が変わってしまいます。芸術は元々人の心を豊かにしてくれますが、間違った方向へ向うと、本当の美しさや貴さから段々かけ離れて行ってしまうのです。本来人の心を癒し・溶かし・動かす力のある音楽ですが、だからこそ方向を誤ると、心が疲れたり、または傲慢になったり、傷ついたり、負の力が働いてしまうのかも知れません。

でも、そんな不安定な状態で飛び込んできた彼女を、佐渡はとても広い心で受け入れてくれました。

サロンでのコンサートで、音楽＝コミュニケーションだと手応えを感じたのをきっかけに、彼女は変わって行きました。心を開いて聴いてくれるお客さんが彼女にも心を開かせ、「自分自身の」音楽を表現する事を可能にしてくれました。今まで評価の対象だった自分の音楽・・自分も厳しくその評価だけを見つめ価値を見出せずにいましたが、拍手の音で目が覚めて、居場所を確認できました。音楽が素晴らしいものであることを思い出したのです。

彼女は地元のピアノの先生の実家で練習をさせてもらっていました。練習の合間には先生のお母さんが庭で育てているトマトを煮てつくった100％天然のジュースを飲ませてくれて、そしてそのままそこに座って練習を興味を持って聴いてくれるのだそうです。「たくさん質問してくれて」・・音楽の話もいっぱいしたでしょう。会話を通して心の交流もあったに違いありません。都会育ちの彼女が、自然と手作りのトマトジュースと周囲の人たちの真心で、本来の元気を取りもどして行く姿は感動的でした。

雄大な自然とそこに響く音色が、疲れた心と頭に栄養を与えてくれて、そして何よりも見知らぬ人たちが無償で彼女の音楽を支えてくれること・・・演奏のために足を運び、演奏する側と同じ集中力で真剣に聴いてくれて、また陰でサポートしてくれることに気づいて感謝と勇気が湧いてきたのでしょう。今まで当然と思っていた、ピアノを弾けると言うこと、それをずっと支え応援し続けてくれる家族の存在・・・目から鱗が落ちて、「ピアノを弾く喜び」を感じた瞬間に、彼女と音楽の関係は生まれ変わりました。ひとつひとつの音に魂を込めて弾いたメンデルスゾーンは、覚悟を決めたような意志の強さが表れていました。山を乗り越えた人にだけに表現できるような、重みと深みのある演奏で、聴く人たちの心を動かしていました。

それにしても自然の持つ力は本当にすごい！心から感謝です。生徒の例もそうですが、自然の中に居ると、自分から段々毒？が抜けて自然体に戻っていくような感覚があります。ピアノを演奏しながら心がリセットされるのを感じます。都心のコンサートホールもいいのですが、田んぼの真中にあるサロンで曲の合間に聴こえる虫の声・・旅館のリビングのピアノごしに臨む海に沈んで行く夕日・・・そこで響くひとつの和音。お客さんと音でつながって過ごす、宝のような、夢のような瞬間はまるで絵の中に居るような美しさです。

周囲に支えられて初めてのピアノ合宿は実り多いものになりました。今回の経験をそれぞれが自分の中で熟成させて、いつか音楽の表現につながっていたとしたら・・それがお世話になった佐渡と佐渡の人たちへの一番の恩返しになると信じています。　

それでは、また！

ルイ・レーリンク

下記の日時、生徒の発表会を行います！

●第9回スチューデントコンサート
日時：2010年10月17日（日）16：30ー20：30
会場：仙川アヴェニューホール　"ve quanto ho....."

プログラム等詳しくは下記でご覧下さい
http://www.pianonet.jp/schoolblog/diary.cgi

モーツァルト＝ヴォロドス：トルコ行進曲 　 動画：(YouTubeへ)

Clément Doucet：Chopinata　 動画：(YouTubeへ)

この前、少し不思議なことがありました。
ステップをアドバイスする為に徳島に行きました。ホテルに着いてベッドの上に横になって居眠りしてしまったのですが、起きると、頭の中にモーツァルト=ヴォロドス編曲 のトルコ行進曲がはっきりと聞こえました。以前に何回か練習したことある楽しい曲です。音が聞こえただけではなく、頭の中に楽譜が見え、自分が鍵盤を弾いているのもはっきりとイメージできました。最後にこの曲を練習したのは約２年前・・・かなりの難曲でした（汗）。でも、今回のイメージの中では鍵盤が軽くて、ものすごく楽々とスムーズに弾けるのです。「あ?ピアノってこんなに簡単なんだ！」と感じられます。ビデオのように頭の中の自分の演奏をゆっくり、または速く再生することができて、それは面白い経験でした。音や自分の手や体の動きが全部スローモーションで見えました。

ステップのアドバイザーをしてホテルに戻ってもまだ同じ曲が同じ様に聞こえます。翌朝目が覚めた時も・・飛行機に東京へ帰って時も聞こえました。家に帰ってすぐピアノに向うと、なんとイメージ通りに弾けるではありませんか！なんとも不思議な体験でした・・・。そこで「よし！次の連載はこの曲を録音しよう！」と決めました（練習にはイメージだけではなく一応ピアノも使いました）。

「不思議なことがあった」と書きましたが、これは実は不思議なことではありません。音楽や演奏を頭の中にイメージ・想像することはとても大切な練習です。私は昔先生に「鍵盤ばかり弾かないで、ピアノと少し距離をとって楽譜をじっくり読みなさい・・。」とよく言われました。でも、正直言って、その時は譜面をじっくりに読むことにあまり興味が湧きませんでした。とにかくピアノに座りたくて鍵盤を速く弾きたい気持ちで一杯で（先生ごめんなさい！）・・。でも、今は自分が教える立場になって、ピアノから離れて音楽をイメージすることの重要さがやっと分かりました。

ピアノを弾くのに最も大切な要素は脱力です。指の関節以外（！）にも身体全身を脱力することが大切です。脱力せずにピアノを美しく・気持ちよく弾けることはありません。

オランダの音大で色々の奏法や指導法を勉強しましたが、とても印象に残ったのはドイツの指揮者兼ピアノ指導者のルードヴイッヒ・デッペ（Ludwig Deppe1828-1890）です。

当時の演奏法は、指を独立させて強い指を育てる訓練だったのですが（実際シューマンが指を独立させようとして結局自分の手を壊してしまったことも有名な話）、１９世紀後期にこうした強い指で鍵盤を叩く「ハイフィンガー奏法」に反発したのがデッペでした。肩から指先まで使う彼の奏法はメソッドとしては当時かなり革新的でした。既に腕を使っていたピアニストもいました・・例えばショパンが柔らかい手首や腕を使ってピアノを弾いていたことはショパンの曲を弾くとよく分かりますが、ただその時点ではまだ確立したピアノの奏法になっていなかったのです。

デッペの奏法では柔らかい腕や手首を演奏に使うことが基本です。
・手の形は指を鍵盤に平行にして
・指の力や筋肉より、自然な動きやエネルギーを使います。
「自由な落下」は鍵盤を叩かないで柔らかい腕の重みをしっかりした指を通して鍵盤に伝えることです。（実際には自由というより重みをコントロールして、重みを鍵盤に乗せて音を作ります）
・指はエネルギーを鍵盤に伝える役割があります。その役割をこなすのに十分な、強くて、繊細な指先を作ります。
・メンタル的に問題を解決します。１時間続けて弱い筋肉（３４５指）を訓練させて指を強くするより、頭と身体を使って全体で美しい音色を作ることに集中します。美しい音色をイメージして・・それに合わせて自然な動きを想像します。

デッペの奏法はカール・ツェルニーのメソッドの正反対でした。よく考えれば当たり前のことですが当時はちょっとした革命でした。日本の音大ではどの程度デッペの奏法を教えられているか分からないですが、もっと皆に知ってもらいたいと思います。チェンバロやフォルテピアノの奏法でピアノを教えている先生もまだいるようですが少し遅れていると思います・・・。

デッペの奏法の中にもう１つ面白いレッスンがあります。これは僕にとって最大のポイントなのですが「Keybedding」（鍵盤上で寝ている）といいます。

音を作るには一瞬のエネルギーが必要です。打楽器のようにハンマーが弦を叩くのは一瞬ですね！（学生達に聞いても意外と知っている人は少ないです・・）。一瞬に鍵盤にエネルギーを入れて、ハンマーが弦を叩く瞬間を繊細の指先で感じとります。そして、エネルギーを入れてからすぐに力を抜かないといけません。例えば、ハンマーの動きが１０分の１秒だとしたら、１０分の２秒目から脱力します。鍵盤に長く力を入れつづけるのがKeybedding。これは無駄な力です。時々生徒に僕の手の平の上で弾いてもらう事がありますが、大抵の人の押す長さ・力を入れる時間はいつも長過ぎます。手の平で弾いてもらうとすぐに分かります。

注意点は、鍵盤をすぐに放さなくてもいい、ということ。でも、鍵盤が元の位置に戻らないように鍵盤を押さえるにはわずかな力だけで十分です。一瞬のエネルギーだけを鍵盤に入れるのはピアノ奏法の基本だと思います。これは完全な脱力につながります。

ハンマーを一瞬弦に叩かせて、鍵盤からすぐ力を抜いてキーを軽く押さえれば、音が長伸びて長く歌えるようになります。鍵盤を強く叩く又は鍵盤に力を入れっぱなしにしておくと、音が立ち上がらず、響きが伸びないで音が「止まって」しまいます。弾き方を見なくても、音を聴けばどんな奏法か分かるほどですが、これが、レッスンの大きな課題になることが多いです。

ピアノから離れて練習の話に戻りましょう。ピアノの生徒が新しい曲を譜読みにピアノを使うと次の問題が現れます。音をイメージすることなく音を読んで・・鍵盤を探して弾いて・・。音をよく聴かないで鍵盤を押しながら次の音を読むと、腕に力が入ったまままた次の鍵盤へ移動することになります。これでは最初の譜読み段階では脱力が出来ず、悪く言えば無駄な力を入れたまま演奏することを訓練していることになります。

この問題を解くには２つの答えがあります。

１．音と音の間で脱力しながら譜読みして弾きます。
しかし、弾きながら動きながら聴きながら感じながら譜読みするのはとても忙しいですのでよ?く集中しないとダメ。いきなり譜読みしながら強弱をだして美しく弾こうと思うと、結構なストレスが出ますので、体がカチカチに硬くなります！

２．ピアノを使わないで譜読みです。
腕や指に負担がなくて、ゆっくりにリラックスしながら読めます。脱力しながら譜読みもできるし、音のイメージ力も高まります。

楽しいのは、１音１音をイメージしてから初めて実際にピアノから音を出すと実際の音や演奏に感動できること！そして、この練習なら時と場所を選びません。私は先週電車の中でシューベルトの曲を「譜読みで」練習しました。集中力は必要ですが、なかなか興味深い練習法です。

ところで、今回の連載のビデオの２曲はとても面白い曲です。「トルコ行進曲」の編曲者のヴォロドスはオランダでは大人気のピアニストで、結構ワイルドな演奏する人です（笑）でも、本当に驚くようなすごいピアノを弾きます。よく聞くおなじみの曲がとても楽しい編曲になっています。

もう１曲は Clement Doucet（ベルギー）編曲のChopinataです。（１９２７年）。この曲を初めて聴いたのはYoutubeで演奏はマルク＝アンドレ・アムラン の演奏でした。最初から僕は「なんだこりゃ！」というようなリアクションでしたが、すぐ好きになりました。ショパンのポロネーズ、ワルツ、そして幻想即興曲のテーマを、当時流行っていたフォックストロットのリズムに乗せた曲です。編曲者のDoucetによる演奏もYoutubeで聴けますが、最近あまり聴くことがなくなった品（ひん）を感じられる素敵な演奏で、こちらも大好きです。

それでは、また！

ルイ・レーリンク

ヘンデル：調子のよい鍛冶屋 　 動画：(YouTubeへ)

ラフマニノフ：熊蜂の飛行　 動画：(YouTubeへ)

前回の連載でショパンのワルツ第4番「猫のワルツ」を弾きました。その時は気が付きませんでしたがこのワルツは今年のコンペD級の課題曲になっています。 実はコンペに出る人にあまり影響を与えないように・・という理由で、私はいつもこの連載でコンペの課題曲を弾くのを避けていたのに、後で気づいて（汗）でした！

そう言えば去年の今頃、ヘンデルのエアと変奏曲（調子のよい鍛冶屋）の録音を予定していましたが、この曲がD級の課題曲という事を知って中止しました。それ以来いつかこの曲を録音したいと思っていて、今回の連載でそれがやっと叶ったわけですが、特別好きな曲ではないのに、なぜずっと弾きたいと思っていたのでしょうか。

実は、私はこの曲を始めて聴いたのはS.ラフマニノフの演奏でした。とてもシンプルな曲を、あまり飾り気なくシンプルに弾いているが、1音1音がすごく誠実に聴こえるのが新鮮でした。テーマ部もすごく深みを感じる演奏で特に1音1音を弾くタイミング（アゴーギク）が絶妙で大好きでした。正確な拍をとるというよりは音を10分の1秒くらい遅くまたは速く、少しずらして弾いたりしていています。そしてなによりも繊細です。人柄がにじみ出るようなラフマニノフの演奏に魅了されました。

みなさんの演奏を聴いた時にはコメント票によく「ラフマニノフの演奏を聴いて！」と書きます。私自身ラフマニノフの演奏が大好きだからです。彼の弾くシューマンやショパンを聴いて見て下さい。きっと感激しますよ。

ところで、その繊細な音を出しているラフマニノフはとても背の高い人でした。インターネットで調べると色々が書いてありましたが一説には198cmとか！。

私は193cmですので、身長的にとても近いです。そして彼は（ショパンと同じく）母国を出てずっと海外で暮らしていました。彼の音楽の中にはそのことが必ず聴こえます。母国が懐かしい・切ない・帰りたい気持ち・・・とてもロマンティックな感情だと思います。生徒にロマンティックって何？と質問すると意外に答えられない人が多いのですが、手に入らない物を欲しいと思う気持ち、そしてそこから生まれる切ない気持ちが「ロマンティック」です。会えない人に会いたい・・行けない所へ行きたい・・戻れない時代に戻りたい・・愛する人に触れられない・・。ラフマニノフが母国を恋しがる切ない気持ちは、日本に住んでいる僕もよく分かります。彼の作品からだけではなく、彼の演奏を聴くと痛い程に伝わってくる気持ちです！

身長が高いだけではなくラフマニノフの手はとても大きかった。私の手も大きくて、確かにドからソまで12度届きますし、オクターブを1と2の指で弾けるので指が長くてうらやましい！とよく言われますが、速く細かいパッセージのコントロールには苦労しています！

手が大きいですから指のコントロールがしにくい・・と言い訳したいところですが・・私の手より大きいラフマニノフの演奏を聴くと、細かく速い動きは見事としか言い様がありません！独特な練習をしていたそうで、深い集中力で速い曲をものすごく遅い速度で弾いていたらしいです。それもとても長い時間・・。

今回は指の長い僕には苦手な曲の中から1曲を録音しました。ラフマニノフ の「熊蜂の飛行」（リムスキー＝コルサコフのオペラ「皇帝サルタンの物語」より）という名曲、本当に私の手に合わない曲ですが頑張って録りました。

ピアノを勉強すると出来ない事に山ほどぶつかります。見上げればその山を登るのはとても無理そうに思えます。でも、少しずつ、ゆっくりと登って行って、辛い事や難しい事を少しずつ克服して乗り越えるのはとてもいい気分です。他の事を考えずに一生懸命に登ってふと振り返ると、結構高いところまで来ている事に自分でも驚きます。そして更に高い所を目指そうとがんばります。こんな体験をさせてくれるピアノって、本当にありがたい楽器ですね！

それでは、また！

ルイ・レーリンク

ワルツ第4番　「猫のワルツ」 op. 34 no. 3 　 動画：(YouTubeへ)

ワルツ第7番　op. 64 no. 2 　 動画：(YouTubeへ)

ワルツ第12番　Op. posth. 70 no. 2 　 動画：(YouTubeへ)

パンナちゃんという新しい猫が来ました。12月の寒い日に（ステップアドバイザーをして帰りに家の近くの駅の前で）ちょっと先の路地をさーっと痩せ細った小さい猫が目の前を横切りました。こんな所に猫がいたかな・・と思ってから30分後にはパンナちゃんは家の猫になっていました。

パンナちゃんと前に飼っていたヌキちゃん。2匹の猫はパンナが気が強くて甘えん坊の食いしん坊、ヌキちゃんは優しくて癒し系で少食・・と全然違うのですが、もちろん共通点はあります。猫の動きを見ているのは本当に面白いです。

頭をスリーッと甘えたり、突然興奮して速く走り出したり、私達に見えないようなものが見えるのか、何もないところをじーっと見つめていたり・・。

動物はみんなそうかもしれませんが、身体の中にリズムを持っているようです。しっぽをまるで指揮しているみたいに左右にゆらゆら、ゆらしたり、ばりっ、ばりっ、ばりっと爪が折れてしまいそうな音で爪とぎをしたり、毛繕いの時もザーッ、ザーッとリズミカルに首を動かしているし、獲物（おもちゃのねずみ）を狙ってジャンプする前もお尻をキュッキュッと振ってタイミングを待っています。動物はみんなリズムを持っているのかも知れませんね。動物だけでなく、色んなところにリズムがあります。鳥や虫の声も、サカナが泳いでいる様子や、海の波の音や時々雨の音にもリズムを感じます。それに対して人工的なリズムもありますね。毎朝聞いているアラームとか、電子レンジなどのピーッ・ピーッという音、駅では踏み切りの音やら発車の合図音・・まだまだたくさん、私達は人工的なリズムに囲まれて生活しているようです。

こんな環境で生活しているので、レッスンでワルツのリズムをとってごらん、と言うと、たいてい空中にイチ・ニッ・サンッと正三角形で描く生徒が多いのですが、これは自然なワルツのリズムではありません。自分の心臓の鼓動に耳を澄まして、踊れなくても想像すると、身体が心地よく揺れるような三拍子・・正三角形ではなくて、角が曲線で描かれたようなやわらかいリズムを描けると思います。本当は人間の中にもこんなリズムは存在しているのだと思います。

今回弾いたショパンの4番のワルツは「猫のワルツ」と呼ばれていますが、中間部のところは本当に猫が甘えてミャーオー」とないているみたいに聴こえますね。装飾音のところは子猫がいたずらをして高いところに駆け上ったり下りてきたりしているのでしょうか。その他にもこの曲の中にたくさんの猫らしい動きが聴こえてきます。

岩合光昭さんの猫写真展に行きました　たくさんの可愛い猫ちゃん達の写真を見て、今回の連載に猫の曲を弾きたいと思ったのがきっかけです。写真展で出会った「ねこ」ちゃんたちの写真は、岩合光昭さん著「ねこ」（発売元クレヴィス）からのものです。ワルツが楽しいねこたちのＢＧＭになっていたらうれしいです。

それでは、また！

ルイ・レーリンク

ドビュッシー：ヒースの茂る荒れ地　 動画：(YouTubeへ)

オランダの実家のすぐそばに「エルミタージュ美術館アムステルダム」があります。ロシアのサンクト・ペテルスブルグにある「エルミタージュ美術館」の別館のような美術館で、そこのコレクションに所蔵されている品々をオランダに持ち込み、約5ヵ月間にわたる企画展として順次展開しています。「マティスからマレーヴィチへ」という展覧会をやっていたので見に行きました。

ロシアの10月革命の前の時代、2人のお金持ち美術蒐集家が集めた作品の展覧会で、マティスやピカソのほか、ファン・ドンゲン、De Vlaminck、Derainなど、アバンギャルドな画家たちによる作品、全75作が展示されていました。

美術館に入るとすぐに「フォーヴィスム」（野獣派）の作品がありました。いきなりマティスの３つの作品が目に入ります。赤の調和１９０８年、Jeu de boules １９０８年、青いテーブルクロス１９０６年。作品のすごいインパクトにびっくりで・・心がドキドキしてしまいます！すぐに絵の世界に引き込まれてしまって、絵の前に30分ずっと立っていました。

鮮やかな色と単純化されたシンプルなフォームや形で描かれ、完璧な調和を感じさせる絵です。そして立体感がない平面なワールドは、まるで現実から離れた別世界です。

自分が現実から開放されるように感じて、周りを忘れて、その絵の中＝自分の新しい世界に入って行きます。美しい色やフォーム・形・・この新世界に引き込まれて、そこが自分の生きる世界になります。

アール・ヌーヴォーなどの影響で、この頃芸術は段々抽象的になって行きます。それまで「色」や「形」は風景・静物・人物など具体的な対象を表していましたが、描かれた色や形が独立してそのものが表現を持つようになったのです。色やフォームはそのままの魅力を感じさせます。

作品を見て頭に浮かんできたのはドビュッシーです。

鮮やかな色や遊び心があるアラベスク模様の青いテーブルクロス。ドイツロマン派の重みがなく・・古典的な型もなく・・堅苦しい現実から解放され自由な動きとなります。

音楽の世界でも長調や短調などの古典的な調性から少しずつ離れて、トニカ(主和音）-ドミナント（属和音）＝I-Vの関係や、ハーモニーの重力が無くなって、音楽が浮かび上がって・・絵と同様3次元の世界から解き放たれて、まるで無重力の宇宙にいるように感じます。音色や和声やフォームが独立してきて、何か具体的な物や感情を表すことがないので、むしろ音や和音、和声・フォームの美しさをそのものを楽しむことができます。

今回の録音はドビュッシーのBruyères（ヒースの茂る荒れ地） です。実は、美術館に行った後に本物のBruyèresに行きました。アムステルダムから車で30-40分行ったところにあるBruyères・・・私が子どもの頃にはほぼ毎週末、家族で散歩したものです。周りには自然しかなくてとても美しく、街からも、現実からもちょっと離れた場所です。この曲はドビュッシーの前奏曲の中では最も調性がはっきりと表れていますが、ここを散歩しながら自然と戯れて写真を撮っている内に、自然にこの曲が頭に流れてきました。今回はマティスの絵と一緒にこの写真もビデオに入っています。そしてもうひとり、フォーヴィスムの代表的なオランダ人画家、キース・ファン・ドンゲンの作品も紹介しています。音楽・絵・写真を楽しんでいただけたらうれしいです。

それでは、また！

ルイ・レーリンク