はい、この時期にクラシックの基礎をみっちり仕込んでいただきました。ただ、ピアノで遊ぶことの方が好きで、先生から出された宿題はやらずに遊び弾きばかりしていて、毎日母に怒られていましたね。10歳の頃からは、海外のジャズやポピュラー楽譜を買って弾いていましたが、そのままでは物足りない。適当に自分で肉付けして遊んでいたのが、今につながっているわけです。

大学卒業後です。その頃、2台ピアノのコンサートに毎年出演していたのですが、一通り巷の作品を弾いてはみたものの、そのうち弾きたい曲がなくなってきたんですね。そこでピアソラを弾きたい⇒でも楽譜がない⇒それなら耳コピーして自分でアレンジしよう、ということで、自分たちが弾きやすく弾き映えするようにアレンジして演奏していました。それが大変好評で、出版につながったわけです。

編曲の手順としては、まずオリジナルのアナリーゼをしますね。そして、次に「自分の感動ポイントはどこか」「それをいかにピアノで最大限表現できるか」ということを追求して制作しています。ピアノは減衰音なので、楽器の特性に合わせて置き換えてアレンジします。アーティキュレーションや、どこがメロディーかすぐわかるように、またアナリーゼしやすいように、ということもすごく考えて記譜しているんですよ。

「リベルタンゴ」（展開3）アドバイス

＜収録楽譜＞
リベルタンゴ／オブリヴィオン
（ショパン刊）

★作品について

まず最初に、ピアソラ自身による演奏音源を聴いてみて下さい。楽譜に書き込みきれない作品全体の雰囲気が感じ取れると思います。この作品は、ピアソラ五重奏団の音源を参考に編曲しました。楽団の各楽器（バンドネオン、ヴァイオリン、ギター、コントラバス、ピアノ）の音色をイメージすることは、演奏する上で大きな助けになることと思います。

★演奏の留意点

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速度表示はAllegro giusto、一貫したテンポを保ってください。左手でテンポやリズム感をリードしていき、それに右手のメロディーを乗せるようにすると演奏しやすいでしょう。

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ピアソラの作品では、4 拍目や2 拍目半に強拍を置くと粋に仕上がります。

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レッスンにいらっしゃる方の殆どに、ペダルを多用する傾向が見られます。ペダ ルは出来るだけ少なめに。リズム感やグルーブ感が表現できるよう、スラーのかかり方などを手がかりにペダリングを工夫してみてください。

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65 小節めからデュナーミクはやや控えめになります。69～70小節では、演奏者の自由を考慮して細かいデュナーミクを書き込んでいませんが、バンドネオンの蛇腹にためた空気（エネルギー）を70 小節目の1 拍目の和音で一気に噴出させるようなイメージを持ちながらp からf へ急激にcresc. させてください。

つい先日うれしい知らせが届きました。曲はこの楽譜にも収載されている「オブリヴィオン」ですが、とても美しい曲なので、ぜひ皆さんにも弾いていただきたいですね。

「タンゴエチュード第3番」（展開2）アドバイス

＜収録楽譜＞
さどはら知子の
おすすめポピュラー曲集
Vol.２（ミュッセ刊）

★作品について

作曲は1987年頃。オリジナルは、フルート・ソロのための作品として唯一のものです。ピアソラの作品は、自身が楽団などで演奏する為の「スタンダード作品」とクラシック演奏家のために作曲された「クラシック作品」の大きく二つに分類されます。

★演奏の留意点

「タンゴ・エチュード」は、後者のクラシック作品のひとつです。クラシック作品とはいっても、ピアソラの作品です。まず、リズムを大切に、アクセントを効かせ、バンドネオンで演奏しているタンゴを想像して演奏することをお勧めします。

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最初はMolto marcato e energicoとあるように、とてもはっきりと、力強く。

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中間部Meno mosso e piu cantabile 気分を変えてよく歌ってください。

エチュードという題名であっても、練習曲というカテゴリーに入らない、小品ではあっても一つの完成された楽曲です。音色を工夫して表現してほしいと思います。例えば28～29小節目など、フルートならではの音色を彷彿とさせてほしいものです。

★ピアソラのピアノ編曲を演奏するにあたって

この「タンゴ・エチュード」の場合、ピアソラ自身による音源はありませんので、フルートソロの音源を色々聴くこと、ヴァイオリン・ソロでも良い音源がありますので探してみてください。ギドン・クレーメルが「トレーシング・アストル」というCDに「タンゴ・エチュード」を収録していますが、これもお薦めです。
そして、可能であればオリジナルの楽譜を参照すること。「タンゴ・エチュード」はフルートソロの為の楽譜の他に、作曲者自身による和声編曲楽譜：アルト・サックスとピアノの為の或いはクラリネットとピアノの為の楽譜も"アンリ・ルモアーヌ社"から出版されていますので、是非参考にしてください。

楽譜というのは、演奏者に向けた手紙みたいなものだと思うんですね。そこに込められたメッセージを想像しながら、楽譜から読み取ったものを演奏に生かしていただきたい＝演奏は楽譜以上なんです。私はよくレッスンで、「どうして楽譜どおり弾くの？」と思わず言ってしまって、生徒さんに驚かれるんですが、テンポは真っ直ぐなんだけど、ピアソラ独特の前のめりのリズム感や弾みなど、細かいニュアンスは100%楽譜に書けないんですね。そのあたりを楽譜から読みとって、表現していただけたらうれしいですね。
私の楽譜はあくまでも"編曲"なので、楽譜に縛られることなく、これを元に皆さん自由に弾いていただければと思います。「同じ楽譜でも違う味付け」というのもぜひ試みてくださいね。

ピアノは幼少から習っていましたが、特に音楽に熱心な家庭でもなかったですし、音大に行くつもりはなかったんですよ。ただ、中学の音楽の授業で、ドヴォルザークの『新世界』を聴いたときに感動してしまって...「どうしたらこんなすごいものが書けるんだろう」とビックリしたんです。音楽の先生に尋ねたら、「音大の作曲科に行くと、こういったオーケストレーションの勉強ができるんだよ」と教えてくれました。そこで急に音大を意識し始めたわけですが、受験期ということでピアノも中3のときに辞めさせられてましたし...とにかく親をまず説得しなくては、と知恵を絞りましたね。そこで、高校受験を利用して、「学費のかからない都立に進むから、そのかわりレッスンを受けさせて。そうでなければ、学費の高い私立に進むから」と交渉したところ、親もそこでようやく本気だとわかってくれたようです。でも、そこからがまた大変で、ツテも何もないので...まずは電話帳で、音大受験のレッスンを受けられる所を片っ端から探したんですよ（笑）。

その後についた先生の紹介で、高2のときから三枝成彰先生に教えていただくようになりました。在学中は、劇伴の仕事や、ゲーム音楽、歌謡曲のピアノアレンジなどもやってましたね。ただ、研究科を修了する頃には、ピアノの指導も長くしていたので、出版するならピアノ教育関係で、と思うようになりました。

ありがとうございます。例えば、新刊の『子どものためのピアノ曲集』では、ピアノ指導者にアンケートをとったり、携帯のダウンロードベスト10なども参考にしました。CMで有名になった『チェッチェッコリ』や、インターネットで人気の『イエヴァン・ポルッカ』などと、レッスン定番の曲をバランス良く入れてあります。

これは私のこだわりで、現場で教えていると、歌詞がないと困るんですね。出版社にはいい顔はされないのですが...何とか理由をつけて掲載してもらってます。私の強みといえば、教えていることだと思うんですね。なので、伴奏も、その場で先生がすぐ弾けるようなアレンジを心掛けています。

導入期の子どもたちの教材は、ひとりひとりに合わせて、私が手作りしています。もう少し上の年代になると、"知ってる曲を弾きたい"というのが、生徒たちの一番の楽しみなので、基本的に、生徒の弾きたい曲を取り上げますね。

ワンポイント・アドバイス（ピアノパレード１～３巻より）

ピアノパレード１～３巻（学研）
全てかがみえ編著

♪『ミッキーマウス・マーチ』（導入1）

6/8のマーチらしさが出るとよいのですが、子どもに伝えるのは難しいので、先生が伴奏を入れてあげて体感させるとよいと思います。34ページの１小節目、左手のラの音が短くならないように。合いの手がうまく入らないときは、その前の音で「〇〇ちゃ～ん」と名前を呼んであげると、うまく入りますよ。

♪『ハイホー』（導入1）

バイエルを意識したポジションなので、ミドルCから入った生徒さんには譜読みが難しいかもしれませんね。冒頭のアウフタクトがうまく入れないときには、先生が2小節ほど前奏を入れてあげるとよいでしょう。付点4分音符が苦手な場合は、次ページのエチュードで練習してみてください。

♪『こぶたぬきつねこ』（導入2）

左手の4分音符は、合いの手を入れるように楽しく。決して重くならないように。子どもは拍の最後をなぜか重くするクセがあるので、左手の4分音符、2つ目に注意してください。

♪『小さな世界』（導入3）

右手と左手を独立させて弾くのは難しい曲です。右のメロディーが、左手のオルタネイト・ベースに引きずられないように。左手の伴奏は「つなげない、でも、切らない」というニュアンスで。子どもには「ハネないで歩いてる、でも足を引きずらないように」と説明しています。

♪『チム・チム・チェリー』（基礎1）

左手のメロディーや半音階をなめらかに弾く練習になります。2番括弧後の、右手の伴奏は軽く。4段目の右手は、後の音をビシッと切らずに、抜くようにしましょう。

ピアノ教師としては折り返し地点に来ているように感じています。私がピアノ教師になった頃とは状況が大きく変わりました。電子ピアノ・キーボードの台頭、保護者様方の意識の変化など、折り合いをつけながら、この先の「ピアノレッスン」をどう捉えていくか、大変大きな課題だと思っています。
作曲活動では、管弦楽・室内楽を書いていきたい...それが昔からの一貫した思いです。

ありがとうございます。気付いたら、アレンジ・採譜した曲は3000曲を超えていました。今は他の方の校正も月に12冊ほどこなしているのですが、校正作業は夜遅くまでかかることも多く、そこから急ぎのアレンジがあれば一晩で仕上げたり...基本的には音楽漬けの毎日ですね。

4才からエレクトーンを習っていました。地元の音楽高校に入ってからピアノを始めたので、キホン左手が動きにくい、というコンプレックスはいまだにありますね。一旦エレクトーンで音大に入ってみたものの、「ちょっと違うな」というのを感じて、上京してヤマハ音楽院に入学。そこで藤井先生に師事し、ジャズ・フュージョン系のピアノに目覚めたわけです。

説明がしがたいのですが、数学博士になろうと思われていた先生ならではの"音楽のメカニズム"がありまして、超現代曲の初見があったり、それを急に移調するとか、移調をスムーズに行うために先生の考案された記号を記憶したり...当時は全くといっていいくらいついていけないシステムでしたね。アドリブに関しても、リードシートだけ渡されて、先生が一度弾いてくださる。次の週には1コーラスずつ先生と掛け合いで延々アドリブをつないでいく、みたいなことをしてましたね。ただ、たくさん弾いてくださるので、それが今自分が指導する際にもすごく役立っていますね。

既成曲をたくさん弾いていただいてから、アドリブや即興演奏に向かっていくわけですが、最初にジャズのスケールから入ると難しくなりますよね。左手の押さえだけ決めておいて、右手は例えば一音でもリズムだけクッたりハネたりしてノリが出るようにしていくんです。音を段々増やしていったり、しりとりのようにいいタイミングで入られるようにしていく。発表会はピアノトリオ（ベース＆ドラム）形式で開催しているのですが、指が動くことだけを目標にするのではなく「いい音・リズムを生み、音符で会話をしよう！」という気持ちで臨むと、皆さんちゃんと出来るようになってくださるんですよ。

レッスンは大人の生徒さんが中心ですが、アレンジする際に、大人の初級の方がどれくらい手が広がるのか、弾き勝手がよいのかどうか、指使いなども検証できるので...そういった意味でも毎日が勉強の連続ですね。

ピアノとしての響きを考えて、やはり全体のバランスですよね。テクニック的に易しくても、左手の入り方がよければグルーブ感が出ることもあります。メロディーと伴奏のコンビネーションにより、新たなリズムが生まれることもあります。やはりたくさんポピュラーやジャズを聴いて、どれが本筋のビートかをわかってからアレンジするとよいですよね。

やはり初級用のアレンジが一番難しいですね。この曲の特徴はリズムなので、16分音符は右手に任せて、ベースはライン的なことに絞っています。難しくならないよう、左手に16分音符を入れすぎずに、しかし原曲のイメージは損なわないように、ビート中心のアレンジにしてあります。譜面に書いてない音やビートも感じて弾けるとよいですね。

『きらきら星』の方は、ルイ・アームストロングの『この素晴らしき世界』と曲調がマッチングする面白さもあるので、その特徴でもある"渋さ"が欲しいですね。常にバックにリズムを感じて、左手はあくまでもカウントとりなのでテヌート気味に。強調する音と軽めに弾く音、メロディー以外のラインなども考えて弾くとよいでしょう。アドリブからは「細かい音を必死に弾かない、上手に弾こうとしない」（笑）のがコツですね。Dの6小節目9連符の箇所は、一応3つを一単位としてますが、数にこだわる必要はありません。
『OneLove』の方も、"カウントが命！"ですね。イントロはペダル・ベース（D音が続く）、その後のメロディーの入りをはっきりわかるように。Eに出てくるランニング・ベースは、アフター・ビート（2・4拍）を強調して。Hのタイでクッていく右手の重音は、アクセントをつけて。全体的にリズムの"クイ"がすごいので、やはりカウントを常にしっかりとって弾くことですね。

これはフィギュアサイズのアレンジなんですよ。ただ、そのままだと曲のつなぎが少し不自然だったりするので、ピアノソロでも通用するように直してはあります。私がアレンジした『ジャンピン・ジャック』（初級）（中級）の他にも、『ブエノスアイレスの冬』（ピアソラ）、『タンゴ』（シュニトケ）など、話題曲をお楽しみいただけると思います。

毎日勉強とはいえ、忙しすぎて同じことの繰り返しになるので、もっと外の空気を吸わないといけないな、と思っています。やはりセッションすると生き返りますね。あとは、クラシックや現代音楽の音の積み方・演奏法などをピアノアレンジに盛り込んで、皆様に楽しんでいただける作品を書いていきたいと思います。

小さい頃は引っ込み思案で、人とうまく話せなかったんです。でも、その日あったことをピアノで表現すると、母が「そんなに楽しかったの～」とわかってくれる。ピアノはコミュニケーションのツールでしたね。ピアノで自由に遊ぶのは大好きで、絵の具を重ねるような感覚で、「上と下の音を重ねるとどうなるんだろう」「この曲にはこんな和音がついてたかな」「こっちの和音もいいな」なんて遊んでました。私にとって、おしゃべりとピアノを弾くのは同じ感覚ですし、ピアノで表現する方が当時は楽でした。

2才の頃には、トイピアノで、知ってる曲をカラオケみたいに弾くのが好きでした。母がピアノ教師をしていたので、ピアノの上手なお姉さんたちへの憧れがあったのですが、なかなか本物のピアノには触らせてもらえなくて...3才になって初めて許可がおりてからは、小学4年生まで、それこそ学校に行く間も惜しんで一日8時間のピアノの猛特訓が続いたんです。でも目標があるので、辛いと思ったことはなかったですね。
母が入り込む性格な分、父が客観的に判断するタイプだったので、私が外で遊ぶ暇もなく、すべり台のすべり方もわからないような子だったのを心配して、普通の子どもに戻してくれたんです。小５からしばらくはピアノと少し距離を置くようになりました。

いわゆる有名なクラシック曲はほとんどやらず、エチュード少しと、あとは自分のオリジナル曲を、1年ほどかけて弾き込んで深めていくんです。とにかく大会に向けて、オリジナル曲一色でした。今でもその当時の曲はすぐ弾けますよ（実演♪）。小4までに培った音楽力と技術がものすごく濃くて、今もそれが生きていると思います。

ヤマハJOC（ジュニアオリジナルコンサート）の大会を聴きにいくと、同じ世代の子の曲に大いに刺激を受け、「私もあのステージに立ちたい！」と自然に曲のイメージも湧いてくるんですね。小4のときに作曲した『テキサス』は、いとこにテキサスのペンパルから届いた写真集を見せてもらって、「きっとアメリカにはこんな音楽が流れてるに違いない...」と思って作りました。最初はかっこよく始まり、第2テーマはけだるくセクシーなんです（笑）。無調、旋法、ジャズなどに憧れていた時期ですね。今でも、子ども向けのコンサートでこの頃の曲を弾くと、子どもたちが「自分と同じくらいの年に作曲したんだ～」と身近に感じてくれて、好評なんですよ。

3才の頃に、ラフマニノフのピアノコンチェルトを聴いて、「かっこいい～！私も作曲家になりたい」と思ったのが最初で、「どんなものを食べれば、こんな素敵なメロディーを生み出せるようになるんだろう」と真剣に考えてましたね（笑）。
JOC時代には、「いつかあんな風になりたい」と目標となる先輩や競い合う仲間がいて、私の性格にはとても合っていました。それこそ、西村由紀江さんに憧れ、横山幸雄さんとは同じ音楽教室に通った仲なんですよ。小5からは細々と続けていた音楽でしたが、高2の頃に、「やはりこの道に進みたい！」と思い、作曲科を受験しました。

大学では現代曲オンリー、無調や12音技法を追求していたんですが、この当時、母が手を焼くような子どもたちに、少しピアノを教えていたんです。その子たちが弾きたがるポップス曲を、その子のレベルに合わせてアレンジするわけですが、「ただ簡単にするのではなく、どうやったら小さい手でもかっこよく、新しい世界が広がっていくか」と常に考えていました。
私は元々手が小さくて既成曲で弾けるものが少ない、というハンディを持っていたのですが、この手のお陰で逆にいろいろ工夫するようになったんだと思います。その頃、「ポップスをピアノにアレンジする」というお仕事が運良く舞い込み、これがアレンジデビューとなりました。子どもの頃からやっていたことが自然に仕事に結びついたので、本当に恵まれていると感謝しています。

映像と音楽の相乗効果は想像以上のものがあり、映画などは何十年も残っていくので、責任感ややり甲斐、ひとつのものをみんなで創り上げる喜びを感じますし、苦労した分どんな仕事より達成感がありますね。
作品によっては、台本を読んだ時点で、曲が降ってくる感じです。映像を見たらもうピンとくるというか、自分にとっては最初から映像に音楽がついている感じですね。自由にと言われるより、枠の中で要望合わせてオーダーメイドすると、知らない自分の引き出しがキュッと開く感覚で、そういう意味でも楽しんでやっています。

はい。会場のお客様から、５～６曲皆さんのよく知っている曲をリクエストしていただいて、その場でメドレーにしてお届けしています。私自身も毎回ドキドキ！楽しみですね。

学生の頃通っていた英会話学校では、ニックネームをつけなきゃいけなくて、「美濃、ミニ、ミニーって呼んで」（笑）みたいなノリで、ミニーになりたいくらいミッキーが大好きでした。この曲集のお陰で、永ちゃんとも共演することになったんですよ。ある日突然、「矢沢です!」と電話がかかってきて、「今度50才の記念ライブを7万人の前でやるんだけど、途中でナイアガラの花火をあげるんで、そこでガラッと雰囲気を変えて、君にディズニーを弾いてもらいたい」とオファーがあり、この曲集の『いつか王子様が』を弾いたんです。その後も矢沢さんから、「ピアノだけでこんな世界が表現できることに感動した」というようなお電話もいただきましたね。

このシリーズ（「エッセンス・オブ・ジャズ」）は3日くらいで書いたんです。でも、これはどなたでもコツがわかればできることなんですよ。クラシックの方でアレンジに慣れていないと、こういう本をたくさん買いますよね。でも、それを弾いてしまうとネタ切れで、それ以上のレパートリーが増えない。実はこの本のレベルのアレンジは自分でできるんです。今、ものすごく早く習得できる本を書いているところです。「クラシックは弾けるけどコードがよくわからない」または「ピアノ初心者で指が思うように動かない」という方、両方の解決法は、『自分で和音を組み立てて、メロディーとコードだけで表現できる』ということを知ることですね。

とても簡単なことなんですよ。ピアノの弦の太いところでたくさん鳴らすと響きが汚い、ということさえわかれば、『下は5度か7度、3度は10度に転回』ということなんですね。スイングについても、絶対的な習得法があるのですが、これはまた別の機会にと思います。

ピアノの場合、『メロディーと気持ちのいいハーモニー付け』ができれば1曲できてしまうんですね。そこにやれスケールだ、アドリブだと入ってくると、混乱するだけでなく先に説明ありきで嫌になってしまうんですね。ピアノは、家では一人で練習するので、『ピアノソロとして成り立つサウンド』ということが重要なのです。

そもそもピアノを習い始めたのは、音大の作曲科に進もうと決めた高校2年のときです。それまでは一切特別な音楽教育は受けたことはなく、楽譜も読めない状態だったんですよ。
ジャズを始めたのは音大卒業後でして、横浜に伝説的な、日本で一番古いジャズクラブがありましてね。扉を開けるのも恐ろしいような怪しい店でね（笑）そこですっかりジャズにハマッてしまったわけです。ある日、急にピアニストが1週間くらい出られなくなり、誰でもいいから座っててくれればいい（笑）ということで、代役をやったんです。が、コードネームしか書いてなくて...見よう見真似で何とか覚えたんです。
その後中学の音楽教諭を2年、その後世界的なギターリスト、高柳昌行さんと知り合うことができて、フリージャズを10年くらいやりましたかね。

アラーキーさんとの出会いが、大きな転機でした。ここからオリジナルを書くようになったのですが、「アラキネマ・ライブ」では、スクリーンに投影された写真に、ピアノで即興的に曲をつけていくんです。DVDも20作くらい出しましたが、それを見た海外の映画監督から、曲の依頼が舞い込んだこともありました。

「チャイルド・イズ・ボーン」は、美しい3拍子のナンバーで、アレンジのポイントは２度のぶつかりです。あとは、もっと"胸キュンの響き"に変えることもできますね。セブンスの上にトライアドを乗せるとまた独特の響きになります。ペダルを活用して、よく響きを味わいながら弾いてください。「酒とバラの日々」（発展４課題曲）のようなアドリブを弾くときは、一本指で弾いてみるといいですよ。５本使ってレガートに弾くと、その延長上にはスイングはない（笑）。スタッカートでもなくレガートでもない、独特のニュアンスをつかむのに、この方法はおすすめです。

音楽を長く続けて欲しいですね。それには、表現したもの、『これが私ですよ』というものを、形にして残すといいですね。ひとつ作ると面白くなるから、次の欲が出てくる。そのうちまぐれ？で世界に通用するすごいものができるかもしれないですし（笑）。

オスカー・ピーターソンが原点ですね。父がジャズが好きで、家族でドライブするときも、延々とオスカーピーターソンを流していたので、そのうち僕もアドリブが歌えるくらいになってたんです。また、父がその頃始めたウクレレで、ジャラ～ン♪と鳴らしたコードを当てたりと、ゲーム感覚で聴音もしてました。なので、5歳のときにヤマハ音楽教室でエレクトーンを習い始める前に、すでにコードもかなり覚えてましたね。

その後、段々興味がアレンジや、ドラム・ピアノなどの生楽器に移っていったんです。それで中２の頃からピアノも始めたわけですが、音大に行くと決めたときには、ピアノの先生に驚かれてしまいました（笑）。なので、ピアノに対してのコンプレックスが、逆に原動力になっているところは今でもありますね。手も小さいですし、皆さんが思っているほど楽に弾いているわけではないんですよ。

即興演奏も素晴らしいことだと思いますが、一方作曲という作業は「感性＋知性」。建築物における構築美のようなものにも憧れてたんです。でもいざ入ってみると、いきなり現代曲一色でびっくりしましたね。

同時期に、"芸術としての音楽"と、片や"生活の営みとしての音楽"、両極端を経験できたことは貴重でしたね。
デ・ラ・ルスで、海外の地元の人と共演できたことも素晴らしい経験でした。楽譜は読めなくても、彼らの中に音楽はある。感覚として持っているんですね。音楽的に優れていることと、ソルフェージュ力は必ずしも一致しない、もっと大事なことがあると気付かされました。どうやっても彼らにはかなわない、全部中途半端と悩んだ時期もありましたが、自分の音楽を逆に彼らが「新しい！」「素晴らしい！」と言ってくれるのを聞いて、救われました。そして、自分が感じた音楽が、本物として通用するように覚悟を決めよう、自分を偽ってはいけないなと思ったんです。

塩谷さんを囲んで、インタビュア、丹内真弓先生（左）、松本あすか先生（中央）と筆者（右）

子どもの頃から「叩く」ことが好きで、菜箸を使って、バケツや鍋のフタいろいろなものを叩いてたんですよ（笑）とにかく楽しかった。なので、まずは"いい音がする鍋"を探すことですかね（爆）。両親が、うるさがらずに、気のすむまで叩かせてくれたのもよかったんだと思います。あとは、やはり原体験のピーターソンの影響も大きいですね。子ども心にも訴えかけるものがあり、とにかくスウィングしていてジョイがありましたから。早い時期から、ホントに良いものを体験することも大事だと思います。

アンサンブルが出来ないと、いい音楽家とはいえないと思いますね。ソロは自分をアピールしがちですが、ホントはそうじゃなくて、「自分と音楽の関係」。音楽が先にあって、音楽に導かれてその人の感性が表れてくる。それを共有するという意味で、アンサンブルはすごく大事で、何より楽しいですね。ジャズセッションなどでのピアノは、いかにみんなでグルーヴを作ることが大事。ホントにアンサンブルがうまくいくと、たとえ自分が弾かない箇所でも「イェーイ！」となる。実はそこが楽しいんです。

以前（2003年頃）僕がピアノで悩んでいたときに、小曽根真さんが、「二人で、二人にしかできない音楽を作ろうよ」と声をかけてくれたんです。いろんな意味でとにかくすごかった。ミュージシャンにとって、自分よりレベルの高い人と共演することは、何より成長できますね。また、音楽を一緒に作っていく過程が、その後ソロにも返ってくると思います。

ト長調の方は、機能的な書法ではなく、即興的にスケルツォのような遊び感覚で、敢えて"不思議なニュアンス"を出したかったのです。なので、の左手は、ひとつひとつに意味があるわけではなく、パーカッションの合いの手が入っていると思ってください（譜例１）。意味のある音と、遊びの音があるんです。ただ、それぞれのフレーズの終わりには、最低限のツジツマは合わせています（ハーモニー的アプローチ）。続くト短調の方は、ハーモニー重視です。2回繰り返す場合、前半はクラシカル、後半はよりジャズっぽいハーモニーと変化をつけています。（譜例2）内声を含めメロディーをよく感じること、瞬間ごとに変化するハーモニーをよく味わうことなどを心掛けてみてください。

今年は上妻宏光さん（津軽三味線）とのユニット、「AGA-SHIO」の国内、海外ツアーを中心に活動していきます。2人の個性が重なり、前人未踏の音楽世界を切り開いていければと思います。また今後は、クラシカルな曲も書きたいと思ってますし、最近は、自分が生み出す↑それを伝えていくということもそろそろしていかなくてはとは思っているんですよ。

そうです。ジャズ自体は好きでよく聴いてましたが、本格的にやるには東京に行かなくては！って思ったんですね。でも、ピアノは早くから始めたけれどちゃんと弾いてたわけじゃない。そこをなんとか現役で音大へ！という僕の希望を知って、その当時ついてたピアノの先生が「そんなはずでは...」と、ものすごく慌てましたね（笑）。

大学3年の頃から本格的にジャズをやり始めたんですが、早稲田のジャズ研にいたのもその頃ですね。最初は何もわからない状態ですから、まずはCDをよく聴く↑著名な方の演奏を採譜↑完全コピー集などを、CDと一緒に弾いて真似をする、ということをすごくやりました。ジャズの習得には、何よりも「聴くこと」と、「人とセッションすること」が大事だと思います。

やはりいきなり弾かずに、まずはCDをよく聴いて、完成されたサウンドがイメージできてから、CDと一緒に弾くことをおすすめします。お手本と一緒に弾いているうちに、ジャズ特有の訛りもわかってくるものです。

コードは、どういう形で出てきてもつかめないと役に立たないので、最終的にはコードを見ただけで反応できることを目標にしています。ジャズに慣れていない方は、テンポキープと左手のタイミングが難しいと感じられるようですね。例えば2巻の1番～4番あたりを、必ずメトロノームに合わせてトレーニングしてみてください。

皆さん、おそらく左手のタイミングで苦労されると思いますが、要するに合いの手。左手次第でスウィング感も増します。練習方法としては、（１）まず右手のフレーズを覚える。（２）右手の兼ね合いで、どこに左手が入るのかを確認。つまりメロディーのリズムがわかってから、左手でサポートするといいんじゃないかと思います（譜例参照）。またこの曲のように、ラテンのエキゾチックなリズムと、ジャズミュージシャンが慣れ親しんだ4ビート（スウィング）が交錯するリズムは、これだけ練習してもダメで、それぞれのリズムのスタンダード曲をよく聴いて、先にリズムの違いをつかんでおくことですね。

僕は、ついた先生が放任主義の方が多くて幸せでしたね。そのお陰で、なんでも自分で考えて、工夫する習慣ができました。とにかく、朝起きてから夜寝るまで、一日ず～っとジャズを聴いてました。クラシックはそこまで聴き込んでから習うということはあまりないですよね？僕らはジャズを好きだから、ジャズを弾こうと思うわけですが、クラシックは、ピアノが好きかどうかもわからずに習うことも多いのでは？
以前僕のところに、「ジャズを弾きたい」と来た方に、「どういうピアニストを聴いてるの？」と聞くと、「いや、ジャズはあんまり聴いたことないんです」という答えが返ってくるんで驚くわけです（笑）。塾の講師をしている生徒からは、「別に社会科を好きでない子達に教える」大変さを聞いてますが、ピアノもひょっとしたら、キライなものを好きにさせる、まずは楽しさから教えないといけない時代なのかもしれませんね。