エドワード・マクダウェル
（1861-1908,アメリカ）

◆ 野ばらに（「森のスケッチ」Op.51より）
【 ♪ 試聴する 】

　「野ばらに」は、マクダウェルの作品の中でもとりわけ良く知られた小品で、「森のスケッチ」という組曲の第１曲として書かれました。この曲の楽譜の冒頭に書かれた指示「素朴な優しさをもって」（With simple tenderness）の"simple tenderness"は、マクダウェルの音楽に共通する魅力をも言い表しているような気がします。どこかで聴いたことがあるような、懐かしさをかき立てる音楽です。

　マクダウェルは、音楽を学ぶため10代で渡欧し、パリ音楽院を経て、フランクフルトで、ホッホ音楽院の校長ヨアヒム・ラフに作曲を学びました。ラフは、当時ブラームスなどと並び称される大作曲家でしたが、若い頃、リストのアシスタントとして交響詩のオーケストレーションを手伝ったりしており、リストとは近しい間柄でした。こうして、師ラフを通じて、マクダウェルの作曲した「モダン組曲第１番」の譜面がリストの目に触れることとなり、リストにいち早くその才能を認められることとなります。リストは全ドイツ音楽協会にマクダウェルの作品を推薦したほか、ブライトコプフ＆ヘルテル社から楽譜を出版できるよう計らい、マクダウェルのヨーロッパでの作曲活動を大きく後押ししました。また、かつてのアメリカ時代のピアノの師である女性ピアニスト、テレサ・カレーニョが、その音楽を積極的にアメリカに紹介したことで、マクダウェルは当代一流のアメリカの作曲家としての地位を確立しました。
　しかし、アメリカに帰国してコロンビア大学の教授に迎えられてからは、公務に忙殺されるようになり、作曲活動も、需要の高いピアノ小品や歌曲に限られました。そして、1904年、辻馬車と接触事故に遭い、その後遺症がきっかけで精神を病んでしまいます。彼の作品を演奏した「メンデルスゾーン・グリー・クラブ」が募金を呼びかけ闘病生活を支えていましたが、1908年に亡くなりました。
　マクダウェルはヨーロッパの後期ロマン派的な音楽様式をアメリカに持ち込んで広めた作曲家で、のちのアメリカ音楽界に大きな影響を与えました。マクダウェル自身、当時のアメリカの文化水準の低さを自覚し、アメリカ楽壇を指導するために帰国を決意したといいます。帰国後は教授活動に力を注ぎ、作曲の筆が遠のいてしまいましたが、アメリカの音楽界の発展のために懸命に尽くしたことは本望だったと言えるかもしれません。彼が生前抱いていた、ニューハンプシャーの別荘を芸術家村として開放する構想は、未亡人の尽力で、「マクダウェル・コロニー」として実現し、現在でもさまざまなアーティストたちの創作に利用されています。

　最後にもう１曲、「炉ばたのお話」という組曲の第１曲「古い恋物語」をご紹介します。

◆ 古い恋物語（「炉ばたのお話」Op.61より） 【 ♪ 試聴する 】

　これも、淡い懐かしさで胸がいっぱいになる佳曲です。他にも、マクダウェルは、このようなちょっと素敵な曲を沢山残していますので、ぜひ皆さんのレパートリーにも加えてみてくださいね。

セルゲイ・ボルトキエヴィッチ
（1877-1952）

　セルゲイ・ボルトキエヴィッチをご存じですか？主にウィーンで活躍したロシアの作曲家で、ラフマニノフ、スクリャービン、メトネルらと同世代のロシアのコンポーザー＝ピアニストの１人に数えられます。
　ボルトキエヴィッチの音楽は、ラフマニノフを彷彿とさせるような濃厚な歌心にあふれたロマンティックなものです。時に、耳触りがよく癖のない音楽作りが微温的と受け取られ、ラフマニノフの亜流のように蔑まれてきましたが、その胸をきゅんとさせるような美しいメロディーは、今なお私たちの心を捉えるだけの魅力を備えています。
　ボルトキエヴィッチはペテルブルクでリャードフに師事したのち、ドイツのライプツィヒ音楽院に留学、その後もドイツに留まってベルリンを拠点に活躍し、現地の音楽院で教鞭もとっていました。そんな中、1914年、第一次世界大戦の勃発が彼の生活を一変させます。敵国ロシア人であったために自宅に軟禁された彼は、ドイツを離れることを余儀なくされ、ロシアに帰国することになります。
　ロシアでは、大戦後、ロシア革命が起き、新しいソ連共産党政権に土地を略奪されてしまいます。1919年、彼はコンスタンティノープル（現イスタンブール）に移住しますが、革命でルーブルが価値を失ったため、このときの所持金はわずか20ドルだったそうです。 　コンスタンティノープルではユーゴスラヴィア大使と親しくなり、大使館内の音楽団体の指導を任されるなど平穏な日々を送っていましたが、彼は再びヨーロッパで作曲活動をしたいと切望していました。1922年、大使の協力でユーゴスラヴィアへのヴィザを獲得した彼は、ベオグラード、ソフィア経由でウィーンに移住します。
　彼は、1926年にウィーン市民権を得て、1952年に亡くなるまでウィーンで過ごし、多くの作品を残しました。ラヴェルやプロコフィエフらと同様、戦争で右手を失った名ピアニスト、パウル・ヴィットゲンシュタインのために、左手のためのピアノ協奏曲も書いています。1947年には、ウィーンにボルトキエヴィッチ協会も設立されています。
　死後は長らく忘れられた存在でしたが、近年、ウクライナ国内では、チェルニーヒフ交響楽団が積極的に彼の作品を上演するなどし、再評価の機運が高まっているようです。また、フランスの名ピアニスト、シプリアン・カツァリスがＣＤをリリースするなど積極的に取り上げたことでも、一部のファンに広く知られるようになりました。

　今回ご紹介させていただくのは、前奏曲 Op.33-7と、コンソレーション Op.17-2です。作品として見ると物足りなさを感じる向きもあろうかと思いますが、ここでは、あまり細かいことを考えずに、その甘美なメロディーの世界に浸っていただければ幸いです。皆さんのレパートリーにも加えてみてはいかがでしょうか？

◆ 前奏曲 Op.33-7 【 ♪ 試聴する 】

◆ コンソレーション Op.17-2 【 ♪ 試聴する 】

チャイコフスキー
（1840-1893,ロシア）

　チャイコフスキーは、「四季」をはじめ、数多くのピアノ曲を残しましたが、その人気はいまひとつで、「四季」「ドゥムカ」など一部を除いて、ほとんど演奏されることがありません。
　それは、チャイコフスキーの音楽が、概して、管弦楽のひびきで発想されているからです。例えば、有名な「四季」も、ピアノ曲としては演奏効果を欠いた地味な作品ですが、オーケストレーションを施すとしたらどうなるか...を意識しながらタッチを使い分けて演奏すると、途端に、みずみずしい息吹とともに作品が蘇るのです。

　今日は、そんなチャイコフスキーの愛すべき小品を２曲ご紹介します。
　「夜想曲」は、珍しくピアニスティックな美感をも備えており、澄んだ調べが切々と紡がれていく逸品です。最小限の音符による造りが、ピュアな透明感を生み出しています。

◆ 「夜想曲」 【 ♪ 試聴する 】

中間部はあたたかな弦楽合奏になります。

挿入されるスタッカートは、pizzicatoを意識して書かれたものでしょうか。

　「瞑想曲」は、同じ調性の、交響曲第５番第２楽章を彷彿とさせる音楽で、甘美な歌心にあふれています。

◆ 「瞑想曲」 【 ♪ 試聴する 】

　特に両者の再現部（交響曲では、ヴァイオリンの旋律にオーボエのオブリガートが重なります）は酷似していると言えます。その意味で、この曲にアプローチするうえで、交響曲第５番のスコアを参照することはきわめて有益だと思います。

　この作品はきわめてポリフォニックに書かれており、各声部に細かく指示された休符や音価の違いなどからも、管弦楽で着想されたことは明らかです。感傷に流されず、悠然としたテンポに乗せて、管楽器の端正な音色、弦楽器の伸びやかでふくらみのある音色を意識的に使い分けながら立体的に弾くと、作曲者の意図に近づけるのではないでしょうか。

チャールズ・トムリンソン・グリフェス
（1884-1920,アメリカ）

　チャールズ・トムリンソン・グリフェス（1884-1920）は、35歳の若さで夭折したアメリカの作曲家です。「アメリカのドビュッシー」とでも言うべき存在で、精妙な響きに彩られた雰囲気豊かな作品を残しており、その早い死は「アメリカの受けた最大の音楽的損失」（ディームス・テイラー）として惜しまれました。
　グリフェスは、その短い生涯を通じて作風をドラスティックに変貌させていった作曲家でした。ベルリンに赴きフンパーディングに作曲を学んだ彼は、当初ドイツ・ロマン派の影響下の作品を書いていましたが、1911年頃から、ドビュッシーふうの印象主義的な音楽にシフトし、さらには、ムソルグスキーやスクリャービンらの語法や、東洋の音楽・音階までをもそこに吸収していこうとします。調性音楽の秩序が崩れ始め、新たな響きや秩序が求められていた時代にあって、グリフェスは、同時代の先輩作曲家たちの新しい語法を次々に取り入れつつも、それらをブレンドして独自の音楽世界を開拓しようと絶えず模索を続けていました。彼は、印象主義とオリエンタリズムを融合した独自の作風を確立しつつありましたが、志半ばで病に倒れてしまいます。当時大流行したスペイン風邪（インフルエンザ）でした。
　ところで、グリフェスが晩年、東洋の題材への傾倒を強めていくきっかけに、ある日本人との出会いがありました。
　1916年、ディアギレフ率いるロシア・バレエ団がアメリカを訪れ、新しいバレエに対する関心がアメリカでも高まりました。そんな中、グリフェスは、この一行の中にいたアドルフ・ボルムというダンサーと知り合います。まもなくボルムは独立してバレエ＝アンティムという自身のバレエ団を立ち上げますが、その中に国際的な日本人ダンサーの伊藤道郎がいました。そして、翌年、ボルムの委嘱で、バレエ＝アンティムの公演用に、日本風のパントマイム「Sho-jo（猩々）」を作曲することになります。
　作曲にあたっては、ボルムの紹介で、ソプラノ歌手エヴァ・ゴティエが日本で採譜してきた旋律集を基にしました。ここでグリフェスは、日本の絵画や版画にある無の空間のように、あいまいな背景の役割を果たす弱音器つきの弦楽器を用いることによって、東洋的な印象を生み出すことに成功しています。「Sho-jo（猩々）」の公演の成功により、グリフェスは引き続き伊藤道郎とタッグを組んで、「Sakura-sakura（さくらさくら）」の公演用編曲も担当しています。また、同じ頃、日本の詩による歌曲も作曲しており（「古代中国と日本の５編の詩」Op.10）、ダンサー伊藤道郎との出会いが、グリフェスに日本や東洋の題材への傾倒を促したに違いありません。
　グリフェスの音楽世界は、完成を見ることなく、確立の途上で散ってしまった感があります。しかし、その遺された作品からは確かなセンスの煌きが随所に感じられ、それがやがて時を経て結実し素晴らしい傑作が生まれていた可能性を思うと、その早逝が惜しまれてならないのです。

　グリフェスのピアノ曲は、きわめてオーケストラ的に書かれており、ピアニスティックな効果に乏しい点からも、初めからオーケストラの響きで着想されているのはほぼ疑いないと言えましょう。「白い孔雀」はグリフェスの代表曲で、作曲者自身により管弦楽編曲もなされていますが、管弦楽曲として全く違和感のない素晴らしい仕上がりで、ピアノ版より遥かに魅力的と言っても過言ではありません。オーケストラの音色をイメージしながら聴いていただければと思います。

◆ 夕べの湖（「３つの音画」Op.5より） 【 ♪ 試聴する 】

　「３つの音画」の３曲にはそれぞれ詩が引用されており、この「夕べの湖」には、アイルランドの詩人ウィリアム・イェーツ（1865-1939）の詩「イニスフリーの湖島（The Lake Isle of Innisfree）」の一節が掲げられています。

　...for always...
　I hear lake water lapping with low sounds by the shore...
　（いつも...湖畔に打ち寄せる低い波音が聴こえるから...）

　曲全体を支配する「タ・タ・タン」のリズムは、湖の波音を象徴しているのでしょうか？

◆ 白い孔雀（「４つのローマのスケッチ」Op.7より） 【 ♪ 試聴する 】

　ローマの庭園で放し飼いにされている、真っ白な羽毛に覆われたシロクジャクの美しさに触れて着想された音楽。クジャクを描写しているというよりも、そのクジャクから受けた印象を漠然と音楽化しているような趣です。 　ドビュッシーの影響が色濃く感じられますが、ところどころ英語的な抑揚を感じさせるあたりがユニークです。

ヴィルヘルム・ステーンハンマル
（1871-1927,スウェーデン）

　ヴィルヘルム・ステーンハンマル（1871-1927）は、ヒューゴ・アルヴェーン（1872-1960）と並ぶスウェーデンの国民的作曲家です。合唱曲「スヴァーリエ」Op.22-2(1905)（スウェーデン語で「スウェーデン」の意）は、スウェーデンの"第２の国歌"としてこんにちまで愛唱され続けているそうで、その透明な美しさは筆舌に尽くしがたいものがあります。
　そんなステーンハンマルですが、生前はもっぱら指揮者・ピアニストとして名を馳せていて、作曲は多忙な演奏活動の合間を縫って行われていたようです。ストックホルムの音楽一家に生まれた彼は、幼少からピアノに親しみ、９歳のときに、アマチュア作曲家だった建築家の父親の手ほどきで作曲をはじめました。しかし、その後はほとんど独学で作曲の腕を磨きつつも、ドイツ留学を経てピアニストとしてデビュー、ピアニスト・指揮者として演奏活動に追われるようになります。彼は、偏狭な民族ロマン主義に与せずにもっと開かれた普遍的な音楽をスウェーデンから発信したいという願望を抱いていました。そのため、イェーテボリ交響楽団の初代主席指揮者に就任してからは、ヨーロッパの同時代の作曲家たちの新作をすすんで取り上げるとともに、スウェーデン近代音楽の祖といわれるフランス・ベールヴァルド（1796-1868）の作品の紹介にもつとめたといいます。このように、指揮者としての活動のなかで、彼は、作曲家としての自分の音楽がいかにあるべきかということを、絶えず自らに問いかけていたのかもしれません。
ステーンハンマルはブラームスのピアノ協奏曲第１番でコンサート・ピアニストとしてのデビューを飾っていますが、かねてからドイツ音楽への強い傾倒を示していて、その作品もとりわけブラームスの語法の影響を強く感じさせるものでした。しかし、同時代のシベリウスらの進歩的な作風に触発されつつ、徐々に独自の音楽世界を開拓していきます。1903年には、自分の交響曲第１番を、シベリウスへのコンプレックスから初演後に破棄しており（彼は同じ頃発表されたシベリウスの交響曲第２番の余りの素晴らしさに衝撃を受けたのです）、自らのスタイルを暗中模索する葛藤のほどがうかがえるエピソードとなっています。
　ステーンハンマルの最高傑作と言われているのが、「管弦楽のためのセレナード」Op.31(1913)で、彼のメロディーメーカーとしての天分と、緻密な書法、オーケストレーションの妙が高次元で結実した名曲です。作品に横溢する北欧の叙情に身をゆだねる喜びはひとしおで、その清澄な響きには、しばし別世界に連れ去られる思いがします。

　ステーンハンマルはピアノの名手でしたが、管弦楽曲や声楽曲に比してピアノ曲をあまり書いていません。今回ご紹介する２曲はきわめて初期の作品にあたりますが、作品に息づいた若々しい息吹と、"天性のメロディーメーカー"ステーンハンマルならではのキャッチーな旋律の魅力を純粋に楽しんでいただければと思います。

◆ 即興曲 変ト長調（1892） 【 ♪ 試聴する 】

　実にリリカルな佳曲で、ソプラノとアルトのデュエットが美しい。ポリフォニーの扱いや楽想の展開にはやはりブラームスを彷彿とさせる部分があります。

　憂いを帯びた中間部では、ショパンのプレリュードの残像が見え隠れしますが、このメロディーラインは紛れもない"ステーンハンマル節"です。

◆ 幻想曲 ロ短調 Op.11-1（1895） 【 ♪ 試聴する 】

　ステーンハンマルのピアノ曲において最大の人気曲です。その重厚でシンフォニックな演奏効果はやはりブラームスを彷彿とさせますが、何よりキャッチーな旋律とダイナミックなサウンドの"格好良さ"は特筆されましょう。

　甘美な第２主題とのコントラストの鮮やかさも見事で、コンサート・ピースとしても威力を発揮すると思います。

ニコライ・メトネル
（1880-1951,ロシア）

　メトネルは、スクリャービン（1872-1915）、ラフマニノフ（1873-1943）と並ぶロシアの偉大なコンポーザー・ピアニストで、スクリャービンとはサフォーノフ門下の同門、ラフマニノフとは生涯にわたる親友でした。ラフマニノフのピアノ協奏曲第４番はメトネルに、メトネルのピアノ協奏曲第２番はラフマニノフに献呈されています。メトネルの作品は、彼らと比較すると長らく演奏機会に恵まれてきませんでしたが、近年、没後50年（2001年）を機に、わが国でも楽譜が出版され、メトネル作品の含まれる演奏会も増えるなど、徐々に再評価の機運が高まりつつあるように思います。
　メトネルは、ラフマニノフと同様、当時の前衛的な潮流には目もくれず、調性音楽の枠内できわめてロマンティックな音楽を書きました。しかし、ラフマニノフの歌謡的でストレートに訴えてくる作風とは異なり、メトネルの音楽はきわめてポリフォニックで緻密に書かれたもので、その哲学的な響きは、一見難解なようでいて、聴けば聴くほどに魅せられてしまう深みと味わいがあります。ドイツ系ロシア人でバッハやベートーヴェンに深く傾倒したメトネルは、堅牢なドイツ的構築性と、ロシアの土の匂いのするロマンティシズムを融合させたような、まったく独自の音楽世界を確立しました。その作風は、同時代のストラヴィンスキー（1882-1971）やヴェーベルン（1883-1945）の前衛的な音楽を鑑みるに、保守反動の最たるものと言っても過言ではないかもしれませんが、その作品の素晴らしさはもっと評価されて然るべきです。
　メトネルは、ロシア革命後、安全を求めて西欧に移り住み、ベルリン、パリを経て、1935年からロンドンに居を構えます。1928年に王立音楽アカデミーの名誉会員に選ばれるなど、メトネルの音楽はとりわけイギリスで高く評価されていたのです。そして、幸運にも、南インドの支援者マハラジャの援助を受けることができ、英HMVに自作自演やベートーヴェンの録音が残されることになります。このとき、結局実現しませんでしたが、ベートーヴェンのソナタの全曲録音を、シュナーベルではなくメトネルで行なう計画もあったそうで、メトネルの演奏の素晴らしさを物語るエピソードとなっています。
　メトネルは、若い頃に短期間モスクワ音楽院で教鞭をとったものの、その後は、作曲に没頭できるよう、数多くの音楽学校からのピアノ教授就任のオファーを断り続けたといいます。これは、彼の作曲に対する強い使命感の証明であると同時に、彼の愚直さ、不器用さのあらわれでもあると言えるのではないでしょうか。彼の緻密で保守的な作品は、大衆へのアピールには欠けるかもしれませんが、誠実で暖かみがあり、聴けば聴くほどに味わいが出てきます。自身の信じる音楽をまっすぐ貫いたメトネルの音楽の尽きぬ魅力を、ぜひ皆さまにも知っていただきたく思います。

《 メモ 》

　今回ご紹介するのは、メトネル作品のなかでも最もポピュラーな部類に属する小品です。とはいえ、メトネル作品自体がなかなか演奏されませんから、その普及にほんの少しでも貢献できれば嬉しいかぎりです。

◆ おとぎ話 Op.20-1 【 ♪ 試聴する 】

　メトネルは、「おとぎ話」（ロシア語で"スカースカ"）と題したピアノ曲を沢山残していて、彼独自のジャンルとなっています。この悲劇的な盛り上がりを感じさせるおとぎ話Op.20-1は、ひとつの主題が執拗に繰り返されながら壮大な発展を築いていくさまが見事です。ラフマニノフが特に愛好した作品として知られ、ハイフェッツによるヴァイオリン編曲もあります。

（2008年9月2日　ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用]）

◆ 春 Op.39-3 【 ♪ 試聴する 】

　メトネルは、「忘れられた調べ」と題された組曲を３集つくっていますが、それは、楽想を書き溜めてきたノートの中から、特に忘れ難いものをひっぱり出してきて作曲したものだと言われています。「春」では、爆発的に訪れる北国の春のよろこびが高らかに歌い上げられ、芽吹く自然の生命力が横溢します。

（CD「内藤　晃／Primavera」[XQDN1011]より）

◆ 朝の歌 Op.39-4 【 ♪ 試聴する 】

　続く「朝の歌」は、朝の光に包まれてくつろいだ気分に満たされ、音楽はすこぶる即興的な趣です。

　このような、鍵盤上の即興的な"戯れ"には、コンポーザー・ピアニストならではの身体的な感覚が滲み出ています。

（2008年9月19日　ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用]）
参考文献　楽譜『メトネル　ピアノのための"忘れられた調べ"第1集　作品38』~高久暁氏による解説（全音楽譜出版社）

オスカル・メリカント
（1868-1924,フィンランド）

　メリカントといえば、最近、ユニクロのＣＭ（東山紀之さん出演）で「夏の夜のワルツ」が使われ、話題に上りました。この軽快で印象的なワルツは、夏の踊りの場の定番として、フィンランド人なら知らない人はいない、というほど、フィンランドでポピュラーな音楽となっていますが、他にも素敵なピアノ曲がいくつもあるのでご紹介したいと思います。
　オスカル・メリカントは、シベリウス（1865-1957）と同時代に活躍したフィンランドの作曲家で、フィンランド国内ではシベリウスを超えて最も広く人々に親しまれてきたそうです。息子アーレ・メリカントも作曲家ですが、前衛的な音楽を開拓したアーレに対し、父オスカルは、ジャンルの枠を超えた美しい旋律に特徴づけられた、誰にでも分かりやすい音楽を書いて人気を得ました。彼は、作曲家としてのみならず、オルガニストやピアニストとして、また教育や評論の分野でも多彩な活動を行い、ピアニストとしては、とりわけ伴奏の分野で高く評価されていました。歌曲伴奏のスペシャリストとして、しばしば外国人歌手のフィンランドでのツアーに同行するなどしていたそうです。
　メリカントの紡ぎ出す朗々とした美しい旋律は、イタリアのベルカントオペラやナポリターナの影響がよく指摘されます。彼はオペラの作曲にも情熱を傾け、３曲のオペラを作曲し、民族叙事詩「カレワラ」に基づく「北国の乙女」は、フィンランド語による最初のオペラとして歴史に名を残しました。しかし、今なお広くフィンランド人の心をとらえてやまないのは、親しみやすい歌曲やピアノ小品の領域です。彼のキャッチーな音楽は、そのシンプルな語法が芸術音楽と大衆音楽の架け橋となり、フィンランドの人々の日常に浸透しました。
　彼のピアノ曲は、歌曲の発想による「無言歌」のスタイルをとり、シンプルな伴奏に乗せて旋律が朗々と歌われます。その北欧の叙情あふれるロマンティックな旋律は、北国の白夜の陽光を想い起こさせるような、輝かしい歌心にあふれています。

《 メモ 》

　今回ご紹介する２曲とも、ＡＢＡのシンプルな３部形式をとり、素朴で美しい旋律が歌われる（Ａ）と、ドラマティックに高揚する中間部（Ｂ）から成りますが、メリカントの典型的な作風です。中間部（Ｂ）の盛り上げ方には、オペラ的な発想も時折感じられます。

◆ 牧歌 Op.73-1 【 ♪ 試聴する 】

　素朴で優しい旋律に漂うほのかな哀愁が胸を締めつけます。それにしても、なんと美しい旋律でしょうか！伴奏は極めて素朴なもので、その純朴な響きがなんとものどかな気分を誘います。

情熱を帯びた中間部。動的な３連符音型への移行は、効果的に高揚させる常套手段で、頂点の「叫び」への運び方はやはりオペラ的なものを感じさせます。

◆ ロマンス Op.12 【 ♪ 試聴する 】

　「ロマンス」の旋律もこの上なくロマンティック。甘く優しい旋律が心に染み入ります。

　中間部の開始は、オペラのピアノスコアを彷彿とさせるようなトレモロ。弦のトレモロが、その後の劇的な盛り上がりを予感させます。

　メリカントのノスタルジックなピアノ小品、ぜひ弾いてみてください。全音楽譜出版社から、舘野泉さん校訂による楽譜が出ています。

(2008年9月19日　　ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用] )
参考文献　　『ニューグローヴ世界音楽大事典』　講談社
マイケル・トレンド著、木邨和彦訳『イギリス音楽の復興I』旺文社

ジョン・アイアランド
（1879-1962,イギリス）

　ジョン・アイアランド（1879-1962）は、ヴォーン・ウィリアムズ（1872-1958）やホルスト（1874-1934）らと同時代のイギリスの作曲家で、イギリスの作曲家では珍しく、多くのピアノ曲を残した人です。幼い頃に文学者であった両親を相次いで亡くしたことを除いては、おおむね平穏な生涯を送ったようで、母校の王立音楽大学で後進の指導にあたるかたわらで、じっくりと作品を仕上げていきました。弟子にはブリテン、モーランなどがいます。
　アイアランドは、少年時代の不幸な境遇ゆえか、内気で社交的な集まりが大の苦手だったそうで、それは彼の音楽の内省的な響きにも表れていると言えるでしょう。女性との付き合いも下手だったようで、1927年には、歳の離れた自分の生徒と結婚したのも束の間、すぐに離婚しています。交響曲などの大作からは目をそむけ、ひたすらピアノや室内楽による小規模の傑作を生み出していった彼は、管弦楽よりも室内楽のほうが「内なる考えのために適した方法」だと感じていたそうです。そんな彼の音楽は、派手さとは無縁で、夜ひとり静かに目を閉じて聴き入りたいような、そんな瞑想的な美しさも持っています。
　アイアランドの作品には、土地からインスピレーションを得たものが数多くあります。特に、チャンネル諸島の景観には強く魅せられ、「忘れられた儀式」「魔法の島」「サルニア」などの曲の舞台となりました。晩年は、やはり彼が強く魅せられた地、サセックスの丘陵草原地帯に隠居してゆったりと余生を過ごしました。このような土地や景観に対する鋭い感覚は、彼のユニークな個性として特筆されましょう。
　学生時代に師スタンフォードからドイツ仕込みのガチガチの作曲様式を叩き込まれた影響もあってか、アイアランドの音楽は、あくまで旧来の明快なロマン派のスタイルがベースになっていて、そこに近代的な和声の色彩感がプラスされ、独自の魅力を形づくっています。親しみやすさと斬新さが程よくブレンドされたその音楽は、当時の人々に広く親しまれました。アイアランドは、ヴォーン・ウィリアムズやホルストらとともにイギリス印象主義の作曲家に数えられていますが、その作風は、様々な要素の混在したオリジナルなもので、都会的なセンスに彩られた上品さ、洗練と、懐かしい情緒が魅力です。アイアランドの素敵な音楽を、どうぞお楽しみください。

《 メモ 》

「白昼夢」 「引き船路」は、書かれた時期はやや隔たっていますが、ともに、アイアランドの魅力をよく伝えている美しい小品です。どちらも、洒落ていて、すこぶる上質なＢＧＭといった風情を漂わせていますが、じっくり聴いてみると、その洗練された瀟洒な響きの醸し出す独特の味わいに魅せられてしまいます。アイアランドの不思議な魅力です。

◆ 白昼夢 【 ♪ 試聴する 】

　「白昼夢」（1895年）は、アイアランドが王立音楽大学在籍中に書いた初期の習作のひとつですが、実に美しく親しみやすい小品になっています。ここでは、シューマンや、同時代のドビュッシーの影響が色濃く感じられます。折しも、ベルガマスク組曲やアラベスクなどのドビュッシーの初期作品が書かれたのは、1890年前後。ムードあふれる傑作です。

◆ 引き船路 【 ♪ 試聴する 】

　「引き船路」(1918年)もファンタジックな美しい小品です。引き船路とは、河川や運河に沿って走る路で、人や動物が船を牽引する際に使われました。ゆったりとした6/8のリズムと音型が川の流れを想起させ、とらえどころのない旋法的なメロディは延々と続く路を暗示しているかのようです。この音楽はハ長調で書かれていますが、モーダルな和声で調性はぼかされ、ふんわりと漂っているような雰囲気が醸し出されています。
　途中で、突如D-durで現れる印象的な旋律は、調性感が明瞭で際立ち、視界が一瞬パッと開けるかのような鮮烈な効果をもっています。

　演奏は、比較的取り組みやすいと思いますので、もし気に入ってくださいましたら、是非、実際にお弾きになって、アイアランドの洒落た音の世界に浸ってみてください。

(2008年9月12日　　ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用] )
参考文献　　『ニューグローヴ世界音楽大事典』　講談社
マイケル・トレンド著、木邨和彦訳『イギリス音楽の復興I』旺文社

アナトーリ・リャードフ
（1855-1914,ロシア）

　アナトーリ・リャードフの音楽は現在あまり知られていませんが、実は、不名誉なエピソードで音楽史にその名をくっきりと刻んでいます。彼は、ロシア・バレエ団のディアギレフから《火の鳥》を題材にしたバレエ音楽の作曲を当初依頼されていたにもかかわらず、ぐずぐずしているうちに若いストラヴィンスキーに依頼が回って、チャンスをフイにしてしまったのです。ストラヴィンスキーがこの作品で一躍大成功を収め、今なおポピュラーな存在であるのは周知の通り。対するリャードフは、「《火の鳥》を作曲し損ねた男」として、ストラヴィンスキー《火の鳥》のプログラム・ノートに脇役として登場するのみで、その作品は忘却の憂き目をみています。
　リャードフの怠け癖はこれに限ったことではなく、ペテルブルク音楽院の学生時代にも欠席過多で一度音楽院を除籍されています。のちに再入学が認められ、無事卒業できたのですが、師のリムスキー＝コルサコフによると、彼は「授業の練習課題は軽蔑していた」そうで、才能に恵まれながらも、勤勉な性格からは程遠かったようです。実際、彼には構想のみで完成に漕ぎ着けることのできなかった作品が山ほどあるそうで、大規模な作品を書くのが苦手だったといいます。10年かけてコツコツと第１交響曲を完成させたブラームスなどとは対照的かもしれません。また、リムスキー＝コルサコフは、1880年に演奏会の指揮を彼に任せるにあたっても懸念を表明しており、怠けがちで仕事ができないというキャラクターは相当なものだったようです。
　それでも彼は、母校の教授に迎えられてからは熱心に教育に取り組み、プロコフィエフ、ミャスコフスキーらを育てました。彼はちょうどロシア音楽における過渡的な世代に位置づけられ、自身が傾倒していたショパンを思わせる上品な洗練と、国民楽派らしいロシアの土臭さが音楽に同居しているのが実にユニークです。彼は、自分の祝賀会にわざと欠席したり、新作の初演の際呼び出しを避けてホールの円柱のかげに隠れたりするなど、目立つのが大嫌いな性格だったそうで、それが、上品なセンスに彩られたその音楽にも表れています。
大作を仕上げるのが苦手だった「音の細密画家」リャードフは、瞬間的な美しさへの志向が顕著で、その魅力を小品で開花させました。数多くのピアノ小品があり、派手さは無いものの、細やかな色彩のあやを織り成した佳曲です。《火の鳥》を作曲し損ねた怠け者の類い稀なセンスを是非見直していただきたいと願っています。

《 研究 》 ──前奏曲

　前奏曲（プレリュード）というスタイルは、ルネサンス時代、演奏に先立って行われていた「指慣らし」的な即興演奏から発達したと言われています。この即興演奏のなかで、リュート奏者は調弦を確認し、鍵盤楽器奏者はタッチの調子を確認し、オルガニストはピッチや旋法を定めて、演奏に入る準備をしていました。当初は、同じ旋法や調で書かれた不特定の曲への導入を想定して書かれており、次第に、フーガなど特定の曲への導入として書かれたものが現れてきます。1722年に成立したバッハの「平均律クラヴィーア曲集」では、２４の調性で多種多様な前奏曲とフーガが書かれ、調性感の点でも後世の作曲家に大きな影響を与えました。
　この偉大なバッハの曲集を意識して、1839年にショパンが「２４の前奏曲」を出版しますが、これは、２４の調性で書かれた前奏曲のそれぞれが後続曲をもたない独立した作品でした。この素晴らしい傑作の影響で、ロマン派以降のキャラクター・ピースの１スタイルとしての「前奏曲」が確立し、ドビュッシーやスクリャービンら多くの作曲家によって傑作前奏曲が盛んに作曲されていくことになります。
　リャードフもそのうちの１人で、ロシアで初めて多くの前奏曲を作曲し、のちにラフマニノフ、スクリャービンらによって多くの前奏曲が生み出される土壌をつくりました。彼は、前奏曲というスタイルを特に好んだそうです。今回ご紹介する３曲はいずれも「音の細密画家」リャードフの魅力がよく表れたもので、微細な色彩の移ろいとコントラストが実にすてきです。わずか1~2ページの中での目まぐるしい転調からも、瞬間的な新鮮な響きを追い求めていたことが良くわかります。お楽しみいただければ幸いです。

◆ 前奏曲 変ロ長調 Op.46-1 【 ♪ 試聴する 】

◆ 前奏曲 ニ短調 Op.40-3 【 ♪ 試聴する 】

◆ 前奏曲 変ニ長調 Op.57-1 【 ♪ 試聴する 】

( 2008年8月8日　ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用] )
参考文献　　『ニューグローヴ世界音楽大事典』　講談社
クリューコフ他著、森田稔・梅津紀雄訳『ロシア音楽史II』全音楽譜出版社

◆ ４つの小さな夢の歌 【 ♪ 通して試聴する 】

(2008年5月26日ユーロピアノ東京ショールームにて録音 [ベヒシュタイン使用])

　わが国の作曲家、吉松隆さんのことは今更ご紹介するまでもないですが、ほんとうに美しい音楽なので、お聴きになったことがない方に是非とも聴いていただきたいと思い、当カフェで取り上げることにいたしました。この吉松さん初期の愛らしい小品は、季節のきらめきをプリズムで最小限の音符に透過したような佳品で、その普遍的な懐かしさを感じさせる旋律と響きが私たちの共感を誘ってやみません。個人的には、後年の「プレイアデス舞曲集」以上に親しみやすいのではないかと感じています。楽譜も出ており（こちら）、音にすること自体は比較的易しいので、もしお気に入っていただけましたら、是非実際に弾いてみてください。（もっとも、少ない音符で、バランスを考えながらより美しい響きを追求していく作業や、そこに程良く抑制された美しい詩情を滲ませるのは至難ですが...。）

　これは、吉松さんが作曲家になって最初に書かれたエッセイの冒頭部分で、私の大好きな文章です。そして、この文章にあらわれているような純粋な美意識が、その音楽にも横溢しているのです。
　吉松さんは、シベリウスに私淑し、その第６交響曲に魅せられて作曲を志されたといいますが、この曲のドリア旋法による神秘的な響きが吉松さんの音楽の原風景となっていることを考えると、吉松作品を弾くうえで是非とも聴いておきたい音楽と言えます。かく言う私は、その逆で、シベリウスの６番に魅せられたのがきっかけで吉松さんの音楽に辿り着いたのですが、その音遣いの根底に感じられるシベリウスへの憧憬の念が、私を惹きつけているのかもしれません。第６交響曲に関しては、吉松さんのホームページで、この曲と宮澤賢治「銀河鉄道の夜」との驚くべき類似を指摘したエッセイが公開されているので（こちら）、併せて是非ご一読を。シベリウス第６交響曲の録音では、個人的には、ベルグルンド指揮ヘルシンキフィル[EMI]によるすばらしく純化された演奏をお薦めいたします。

　このように、ある作曲家の音楽に傾倒した際、その作曲家が傾倒していた音楽を知ることは、とても有益で、新しい愉しみをもたらしてくれるのではないでしょうか。たとえば、シューベルトが、ベートーヴェンの交響曲の中で第２番を最も愛していたという事実は、シューベルトの交響曲を理解するうえできわめて重要なファクターとなってくると思います。

《 研究 》 ── 空５度の透明感

　吉松さんの音楽で特徴的なこととして、空５度（空虚５度）の音程が透明な響きを創出していることが挙げられます。それはこの「４つの小さな夢の歌」も例外ではありません。

　ところで、なぜ私たちは、三和音に比して、空５度に澄んだ美しさを感じるのでしょうか？

　長３度・短３度は、中世の合唱曲で、斜進行の登場とともに新たに発見された音程です。それまでの合唱曲は、「平行オルガヌム」と言って、５度や４度の平行進行で重複して歌われるだけの原初的な形態でした。12世紀頃に３度音程が発見され、13世紀にいわゆる三和音としての使用がなされるようになってからも、この３度という新しい音程は動的な性格を持つとされ（長３度は５度に、短３度は１度に向かう傾向にありました[下図]）、終止には、これまでどおり、静的とされていた空５度やオクターヴが置かれていました。

（図の出典：T.ゲオルギアーデス著、木村敏訳『音楽と言語』講談社学術文庫、69頁）

（楽譜の出典：C.パリシュ/J.オール共著、服部幸三訳『音楽史―グレゴリオ聖歌からバッハまで』音楽之友社、41頁）

　５度音は、自然倍音列において、オクターヴに次いで現れる最初の異音倍音（第３倍音）です。合唱でも、オクターヴに次いで５度の平行オルガヌムが最初に現れたことを考えると、ユニゾン・オクターヴ以外の協和音程として最初に発見されたのは必然と言えましょう。最初に現れる異音倍音ということは、基音の倍音のなかで、もっとも大きく鳴っている異音であるということです。ですから、空５度は、基音だけを鳴らした音に近い、という点で、三和音よりも純度が高い、と言えると考えられます。

（図の出典：茂木一衛著『〈癒し〉を越えるクラシック―生き方に迫る音楽を求めて』音楽之友社、177頁頁）

　また、ドミナントに属七和音を用いないと、限定進行音であるドミナントの７音がなくなるので、そこからトニックに解決する際に、３音が含まれない空５度のトニックになり、結果的にドミナント、トニックともに純度の高い響きになる、というのも大きな要因のひとつです。昔の合唱曲を彷彿とさせるような澄んだ響きが使われているのです。
　このような純度の高い響きに触れると、えもいわれぬ寂しさが去来します。私の友人が、吉松さんの音楽を、"ちょっと透き通った、石ころの哀しみ"と形容していましたが、言い得て妙ではないでしょうか。

　今日はほかに、空５度の透明な美しさが印象的な例として、ドメニコ・スカルラッティ（1685-1767、イタリア）のソナタを１曲お耳に入れましょう。これもとても美しく清冽な音楽です。スカルラッティのソナタは元はチェンバロのために書かれたものですが、この曲などは、現代ピアノで弾いたほうがその美しさがいっそう際立つ典型ではないでしょうか。

◆ ソナタ イ長調 K.208 【 ♪ 試聴する 】

( 2008年2月10日　杉並公会堂小ホールにてライヴ録音 [ベヒシュタイン使用])

　さて、今日はちょっと難しいお話になってしまいましたが、吉松さんの小品の透き通った響きを皆さんもピアノの前で楽しんでいただければ嬉しいです。では、またお目にかかりましょう。