オーケストラとも共演経験がある河浪さんですが、オーケストラと共演した時の感想を教えてください。また、オーケストラと共演してみて改めて気づいたソロの魅力や、ソロにはないコンチェルトの魅力などを聞かせてください！

初めてのオーケストラとの共演はとっても楽しくてワクワクして気持ちが良かったです！ オーケストラの皆さんと指揮者の方と僕のピアノを合わせた時の一体感と迫力はソロでは味わえない魅力です。 しかしオーケストラとの共演では、演奏中タイミングを合わせることにも神経を使います。ソロは1人で弾くので自分の演奏だけに集中できるのがいい点です。また「ピアノは1台でオーケストラ」と言われています。1台でもさまざまな色を表現できるのがソロピアノの魅力だと思います。

今後挑戦したいアンサンブルの形態などがあれば教えてください。

僕は前回のオーケストラとの共演では古典派の曲を演奏しました。実はまた共演できる機会をいただいていて、次はバロック時代の曲を弾く予定にしてます。バロックや古典のコンチェルトは美しくて大好きなのですが、もう少し進んだ時代の曲だと金管・打楽器などの楽器もオーケストラの中に加わり、さらにスケールが大きくなります。沢山の楽器と一緒に奏でる壮大なイメージのピアノコンチェルトにもいつかは挑戦してみたいです。

お二人は１度連弾でもコンペに出場されていますが、その後はそれぞれソロで大活躍されていますね。ソロならではの魅力を教えてください。

結菜とデュオにチャレンジしたのは２年生の時でした。2人でバランスを考えながら音楽を作る事が、とても楽しかったです。これからもし機会があれば、また2人でやりたいなと思っています。 デュオもですがソロは特に、同じ曲でも弾き手の思いや感性や性格によって、いろいろな表情を見せ同じ曲にはならないところが魅力的だと思います。

コンペの練習中には腕が当たって喧嘩もしたというお二人ですが、お二人が思う「連弾ならではの楽しいところ」はどんなところですか？

1人だと2本の手（10本の指）ですが、2人だと20本の指で音楽をつくれるので、音の広さや深さが2倍になるのがうれしいです。また、腕があたったり、2人の息や考えがあわなくて喧嘩もするけれど、落ち着いて2人で集中すると上手くいくのがわかるので、連弾は色んな勉強ができて、１人よりも世界が広がる気がして楽しいです。

どんな風に作曲をしていますか？また、作曲の楽しいところ、難しいところなども教えてください。

本格的に作っているわけではなく、気分転換で思いつくままに弾いています。面白い音がいろいろ見つかるのが楽しいところで、一度弾いた音を覚えておくのが難しいところです。明るい旋律や暗い旋律も作って楽しんでいます。

今回演奏いただくプロコフィエフについても、魅力がぎっしり詰まったコメントをありがとうございました！
いま好きな作曲家・勉強してみたい作曲家について教えてください。

プロコフィエフも大好きですし、勉強してみたい作曲家はたくさんいますが、今一番惹かれるのはリストです。リストは、オペラやオーケストラの曲、ヴァイオリンの曲や歌曲などをたくさん編曲し、ピアノが出せる音色や響きを最大限引き出そうとした作曲家なので、ピアノなのにヴァイオリンのような音色だったり、鐘のようだったり、人の声のようだったりして、え！ピアノってこんな音色が出るの？と聴いていてとても楽しいです。リストの曲をたくさん勉強して、多彩な音色を奏でられるピアニストになりたいです。

.お二人の考える、「連弾ならではの魅力」を教えてください。

ソロでは表現できないダイナミックスさがあり、連弾では出せる音域が広くなる分表現の幅が広がると感じています。また違う性格、違う考え方を持った二人が時間をかけ話し合い一つの作品を作り上げていく中で、自分にはないものを相手から学び、お互いが触発しあい切磋琢磨できることも連弾ならではの魅力と感じています。

仲良し二人組での金賞受賞を果たしたお二人ですが、ペアの相手が親友でよかった！と思った瞬間はありますか？あれば教えてください。

幼稚園の時からの幼馴染みで親友なので、共通の話題も豊富で、毎回の練習が楽しくて、喧嘩もしないし、お互いを気遣い尊重しながらより良い音楽を追究していけることがよかったと思います。

お二人の考える、「連弾ならではの魅力」と、連弾以外に興味のある（または好きな）演奏形態があれば教えてください。

私達の場合、それぞれソロで演奏する時よりも、二人で作りあげる演奏の時の方が、仲良しパワーの化学反応が起こり、より魅力的な演奏ができることです。

現在研究されている音楽情報処理について、概要を教えてください。

聴いた音楽を「再現」するという観点から、自動採譜、自動編曲といったタスクに機械学習(AI)の技術を用いてアプローチしています。機械に耳コピや編曲を教えるようなものです。再現性をどのように評価するのか、機械で再現する時に必要な要素は何か、と考えることが逆に演奏に活きることもあって非常に面白いです。

特級ではコンチェルト経験。コンチェルトとソロでの演奏の違いを教えてください。

コンチェルトは3回目の経験でした。やはりコンチェルトは、ソロとは聴こえ方が全然変わります。
オケに埋もれてしまうので 、表記の強弱がpでもソロでいうmfかfくらいの気持ちで弾くようにしています。ダイナミクスを一段アップさせるようなイメージです。
また、ソロだと走ってしまいがちなのですが、オーケストラと合うようにリズムは普段よりタイトにすることをこころがけています。

コンペの練習時、先生は「指トレ」をしたと仰っていましたが、具体的にどのような練習をしたのですか？

指トレの中の1つに 「どんな指にする？」 ということがあります。 出したい音のイメージにあわせて指を作り、弾き方を決めたりしていました。連続練習で音がどんどん変わっていくのがゲームのようで面白いです。

決勝大会の曲ではクープランが一番好きだったという石井さん。
いくつも練習した曲の中で、「この年のお気に入り」が夏の記憶と共によみがえることも、ピティナ・ピアノコンペティションの醍醐味かと思います。
この他にも想い出に残っている曲・好きだった曲などはありますか？

どの曲も大好きで大切な曲ですが、パッと思い浮かんだのは、A 2級で弾いた田中カレンさんの「きりん」です。難しい上に、ペダルまでつけて...その新たなチャレンジにわくわくしながら、住田先生と一緒に挑んでいったことを今でも鮮明に覚えています。それに加えて、本選でお辞儀をする場所を間違えたことや、当時私の背丈の半分くらいになる大きなトロフィーをいただいたこと、沢山の方々に声をかけていただいたこと。私のピティナデビューの想い出が「きりん」の中にぎゅっと詰まっています。今改めて振り返ってみると、私の視野を広げてくれた原点の曲のように感じています。

身体が小さくて選曲に苦労されているという土田さん。身体が小さくて困ったことと、それを解決した工夫があれば教えてください。

手が小さいため、選曲には苦労しています。なるべく音を省かずに弾ける曲を選んでいるので、弾いてみたいのに諦めた曲がたくさんあります。
ピティナピアノコンペティションでは、音をあまり省かずに弾ける曲が他になく、4曲すべてがテンポの早い曲になってしまい困った事がありました。省く音を1音でも減らすために、逆の手でカバーしたり、アルペジオで弾いたり、ソステヌートペダルを使ったり、、、色々と工夫しています。
身体が小さいので、半年前まで補助ペダルを使っていました。

これまでコンペティションで選曲してきた作品と、身体の大きさに対する選曲のレベルを教えてください。

苦手だった曲と、その苦手部分をどのような練習で克服したのか、教えてください。
いま好きな作曲家・勉強してみたい作曲家について教えてください。

ショパンのノクターンです。最初は重い音しか出せず、また、ひとつひとつのフレーズを感情をこめて歌おうとしすぎてフレーズとフレーズがきれいにつながらず、細切れの音楽になってしまい苦手意識を持っていました。でも、レッスンで関本先生が「鍵盤ばかり見ていないで目線を上にしてごらん」とおっしゃり、やってみたらフワッと空中に舞うような音色が出て、フレーズとフレーズがきれいにつながり、最後まで音楽が途切れずに自然に弾けるようになりました。鍵盤ばかりに集中せず、音が空間でどう響いているか耳を澄まして、ゆったりとした気持ちで練習するように心がけました。

実際にマスタークラスを受講してから練習の中で改善した点などを教えてください。

マスタークラスを受けて、弾けないところをどうすれば弾けるようになるのか、また自分の出したい音がどうしたら出せるのかを考える時に、頭の位置は背骨に乗せる感じでとか、足の位置を色々変えてみて、などの今まであまり意識していなかった身体の仕組みからのアドバイスを頂いて、ただ何回も練習をするだけで無くうまくいかない時は方法を変えて自分の考えられる腕の動かし方や体の位置や姿勢を変えてみるなど、そして具体的に身体の動きや音をイメージするなど色々試しながら練習をするようになりました。

黒川先生のレッスンでは歌やお話を作ってくれるそうですね。今回の作品は「風」がテーマですが、どんなふうにイメージをふくらませる練習をしましたか？

ちとし先生はどんな曲でも私にわかるようなお歌やストーリーを作って下さいます。それを元に自分でも歌ったり、楽譜に色を塗ったり、セリフや絵を書いたり...「風」の違いが出せるよう、丁寧に部分練習をしました。

骨折によって例年より練習時間も少なくなったかと思いますが、骨折している間はどのような練習をしましたか？また、準備期間が短くなったことで今までと練習方法を変えたことなどがあれば、教えてください。

両手で弾いた時のハーモニーを想像して、メロディーを声に出して歌いながら練習したり、左手だけでも素敵な音色が奏でられるようにしました。
準備期間は短くなりましたが、焦らず丁寧に自分が目指す音を出せるような練習を心掛けました。そしてただ弾くことだけでなく、ストーリーを考えて絵を描いたり、色で表現したり、色々な方法で曲のイメージを膨らませるようにしました。

全国大会では、予選や本選と異なり４曲を並行して練習することになったかと思いますが、時間配分等で苦労した部分・工夫した部分などはありますか？

本選終了後は、予選曲を中心に練習しました。
細かい部分の注意点を忘れていたので、もう一度片手練習から始め、注意点を確認しました。
本選曲は、古典のテクニックを中心に練習しました。
全国大会では4曲を続けて演奏しなければいけないので、1日に何度かは4曲を続けて弾くという練習もしました。
決勝大会前も同様に練習しました。

決勝大会のギロックは7歳年下の妹さんを思い浮かべながら曲に歌詞をつけたそうですが、イメージを演奏に落とし込むための具体的な練習方法や意識していることなどがあれば教えてください。

ネットなどでイメージに合うような絵を見つけてコピーしたり、自分で絵を描いて色のイメージを膨らませたりストーリーを作ったりしています。またタッチの変化など、指のどこを使って弾くとか音色の変化を聴き分けられるようにしています。 あとはクラシックだけではなく、様々なリズム、メロディーの音楽を聴くようにしています。

ピアノを弾かない間にしていた練習・イメージトレーニングなどがあれば、教えてください。

指の力をつけるために壁押し、体幹を鍛えるために腹筋などをしました。イメージトレーニングは、楽譜を色分けしたり、同じ作曲者の他の曲を聴き比べたり、演奏会へ行ったりしました。

具体的にどのような練習をしましたか？

【バロック】
インベンションでは、冒頭のテーマの２小節を、ハ短調の緊張感を持った雰囲気を出すことに、特に神経を配って練習しました。Bassで音楽を支えること。左手の大切さを学びました。
【クラシック】
モーツアルトでは、極端に強弱の変化をつけないで、軽い感じを意識して練習しました。
【近・現代】
フォーレでは、たくさん先生と相談しながら、悩みながら、フォーレの曲をたくさん聴いてみて雰囲気をつかめるように努力しました。

4期の違いを意識したのはいつ頃ですか？

小学生の頃は、「近現代は自由に、バロック・古典はきちんと弾かないと」という漠然とした意識を持っていました。

このなかで思い出に残っている曲はありますか？

• ギロックの「中国人の行列」はよく覚えています。オリエンタルな旋法感があり、これまでにない和声感があって新鮮だった記憶があります。
• 「はちどり」は瞬発力が必要になる曲で、リズム感を身につけるのに役に立ちました。ルーツの一つだと思います。
• ショパンのスケルツォ一番は、初めて挑戦した大曲です。
  中学受験に入る直前期、小学生で学んだことの集大成として挑みました。速いパッセージと、対する中間部の対照的なゆったりとした流れなど、さまざまな要素が合わさった作品です。小学校時代に弾いた曲の中では、いまでもレパートリーになっている唯一の曲です。
  小学生の頃よりは身体が成長したので、無駄な力を籠めず、重力で弾けるようになりました。低音部のフォルテシモも、豊かに出せるようになったと思います。当時は3拍子をしっかり感じられておらず、1小節をひとまとまりに感じていたのですが、速さのなかにも拍子感を感じられるようになった点に成長を感じます。

特級で印象に残っている曲を教えてください。

コンチェルトはもちろんですが、ムジカ・ナラが印象的です。
本番で、普段の練習以上に楽しんで演奏できました。